Café Tacvba continuará celebrando en GDL

Tras una presentación memorable en el Festival Tecate Coordenada, la banda originaria de la Ciudad de México, anunció una fecha como parte de su gira de aniversario 30 en el Auditorio Telmex el Próximo 12 de diciembre.

                Antes de conocer los detalles de la presentación que está por llegar, hay que hacer un análisis de esa breve muestra que nos ofrecieron en la explanada del Estadio Akron el pasado fin de semana.

                Debido a las limitaciones de tiempo propias de los festivales de música (más adecuados para degustar música de actos nuevos que para disfrutar a tu artista favorito), el setlist de la banda mexicana fue algo raquítico. En hora y diez minutos, se hizo un repaso por trece temas icónicos de su trayectoria, entre los cuales destacaron: Las flores, Cero y uno, Chilanga banda, Eres, La chica banda y Volver a Comenzar. Esta selección cumplió con la expectativa de la nostalgia y trajo recuerdos de cada una de las etapas de Rubén Albarrán y compañía.

                A pesar de la calidad mostrada en el Tecate Coordenada, quedaron fuera otros clásicos del grupo como su selección de covers del grupo chileno, Los Tres; más temas de su álbum debut y cuatro caminos, que los posicionaron como un hito de la música mexicana; y por supuesto material de sus discos más recientes -haciendo énfasis en su segundo MTV Unplugged- ya que estos son lo que contribuyeron a la fama de la agrupación entre las nuevas generaciones.

Café Tacvba en el Tecate Coordenada. FOTOGRAFÍA: Roberto César Mora.

                Si no fuiste parte de este evento o tal vez sientes que ya viste suficiente a la agrupación en vivo (opinión válida, más no compartida); hay una razón muy poderosa para volver a consumir a Café Tacvba: la segunda voz de Rubén Albarrán. Aunque el MTV Unppleged dividió opiniones, entre quienes consideraron que no hay comparación con la primera vez que la banda grabó una de estas presentaciones, y aquellos que destacaron la madurez artística del grupo. En el segundo juicio colocamos este artículo, ya que este concierto en Miami, además de mostrarnos la vigencia creativa y cultural de Café Tacvba, por momentos exhibió como Ruben Albarrán muestra un registro de voz nuevo, más grave y áspero, prueba de ello es el tema Vaivén. Pocos cantantes tienen la suerte de tener una voz que envejezca con gracia, pero quienes la tienen han mostrado facetas muy interesantes como: Johnny Cash, David Bowie, Chavela Vargas y Paul McCartney, entre otros. En vivo también es notable como la voz aguardentosa de antaño da paso un tono más robusto.

En resumen, mientras que la presentación en el Tecate Coordenada fue un lindo viaje al pasado desde la perspectiva de nuestro presente (“Ingrata” es algo que no va a volver a suceder en vivo y la banda ha dejado en claro sus motivos, muy válidos y adecuados para nuestros tiempos); el concierto en el Telmex puede ser, además de una celebración de aniversario, un vistazo a los ¿próximos 30 años? De Café Tacvba, de esos anecdóticos que se suelen contar así: “Sí, me acuerdo que fui a ver a Café Tacvba en el Telmex cuando todavía…”.

Café Tacvba en el Tecate Coordenada. FOTOGRAFÍA: Roberto César Mora.

¿Cómo conseguir las entradas?

Como suele suceder en eventos de esta envergadura, la taquilla es manejada por e, Sistema de Ticketmaster, con una preventa anunciada para los días 24 y 25 de octubre, y venta al público en general a partir del 26 de octubre en las taquillas del Auditorio Telmex o en línea. Los precios en pesos están divididos por zonas: Roja, $1,300; Azul, $1,100; Verde, $950; Blanca, $750; Lila, $600; Naranja, $500 y Amarilla en $400.

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FIMPRO abre convocatorias para los showcase de su próxima edición

La Feria Internacional de la Música para Profesionales (FIMPRO) ha lanzado su convocatoria para seleccionar a los artistas que serán parte de su muestra sonora en el mes de mayo del próximo año. Como cada año, los organizadores esperan reunir cientos de propuestas de todo el continente para que formen parte de uno de los eventos más importantes de la industria sonora latina.

La FIMPRO desde sus orígenes en 2015 ha congregado a miles de entusiastas de la música de todas las áreas: músicos, periodistas, técnicos, promotores, agentes, sellos discográficos, conferencistas, locutores, y muchos más. Todos los asistentes tienen la oportunidad de estrechar lazos en speed meetings, aprender en conferencias, y descubrir la actualidad de la escena musical en los showcases.

FIMPRO significa para muchos músicos alcanzar el siguiente nivel en el duro camino al éxito, ya que además de la proyección internacional al alcance de todos, hace ver a estos como se tiene que manejar una carrera de manera profesional.

Detalles de la convocatoria

Apertura: 21 de octubre de 2019
Cierre: 16 de diciembre de 2019

Inscripciones en: https://www.fimguadalajara.mx/

¿Quiénes puede participar?
Propuestas musicales que cumplan con los siguientes requisitos:
• Ser originarias de cualquier país de América.
Para artistas originarios de Chile y Argentina se lanzarán convocatorias específicas, en conjunto con las organizaciones que participarán en FIMPRO 2020.
• Que las y los integrantes cumplan la mayoría de edad.
• Tener al menos una publicación física o digital (EP o CD).
• Propuestas musicales que desarrollen su trabajo dentro de: música popular urbana, música tradicional y música clásica.
• Llenar el formulario online a través de plataforma FIMPRO.

¿Cómo postularse?
• Entra a https://www.fimguadalajara.mx/
• Da clic en “Plataforma” y crea tu cuenta
• Da de alta tu rol de artista y a tu artista
• Completa toda la información y da clic en “Convocatoria Showcases FIMPRO 2020”

Radar emergente: Krimen, llevan el garage consigo

Para algunas agrupaciones el garaje es eterno, y no nos referimos a una cochera atascada de instrumentos musicales que de vez en cuando provocan la furia de algún vecino; sino a la actitud, ese gusto por tocar con más ganas que afino y con más energía que cuidado de la imagen.

                Surgidos ya hace  años en la Perla Tapatía, Krimen es un grupo de garaje rock que se toma muy en serio esta etiqueta. Con sonidos fuertes, improvisaciones continuas de las dos voces femeninas de la banda y una lírica que busca la empatía del escucha, la banda se ha mantenido en la escena local a base de trabajo duro e intenciones honestas.

“No tenemos un mensaje político como tal, eso algo que pensaba alguien que ya no está en la banda, pero no es que no nos interesen esas cosas, sino que nuestro mensaje se ve más a través de las actuaciones, de la energía que ponen las chicas al cantar”. Es una respuesta sorpresa que da en entrevista el baterista del grupo, Gustavo “Sirno” Jurado, la cual se contrapone a una descripción muy vieja del grupo en su página web –al cierre de edición actualizada-; sin embargo, esta respuesta engloba la esencia de ellos: demasiado ocupados en agendar tocadas como para comunicar una postura fuera de un escenario, lo que en cierta manera sería el ideal de un músico serio.

La agrupación ha pasado por cambios de alineación, pero sin duda alguna, la columna vertebral de esta es la fuerza y presencia escénica de los dos miembros femeninos del grupo: Karla Salazar, vocalista, y Nelli de Rueda, voz y guitarra. También hubo oportunidad de hablar con Karla quien al cuestionársele del papel de las mujeres en la escena sonora respondió lo siguiente: “Nelli y yo, tratamos de demostrar cuando estamos arriba en el escenario que las morras también podemos ponerle mucho entusiasmo y que no nos pasa nada por gritar y bailar”.  Ciertamente la actuación de las dos mujeres choca con arquetipos actuales de cantantes femeninas como la rockabilly girl o la doncella hipster. A riesgo de ofender por no tener un referente femenino que salte primero a la cabeza, se puede decir que las chicas trabajan en escena como los Foo Fighters.

¿Esa energía se puede grabar en un disco?

La primera vez que uno escucha los tres materiales de estudio (Los Lados B, El Sueño de Kay, y Krimen) del grupo se encuentra con la sorpresa de unos recopilatorios grabados al estilo lo-fi y muchos registros de actuaciones en vivo. Estos discos resultan adecuados si uno considera que el gran encanto de Krimen es su valor como showmen, ya que transmiten esa energía. Al hablar de esto Karla ríe y solo apunta: “Pues es nuestro fuerte, por eso tratamos de transmitir esa energía en el disco”. Por otra parte, “Sirno” expande la respuesta de paso de detalles del futuro de Krimen “Pero ya que queremos grabar bien nuestro próximo material, en un buen estudio, algo en lo que vamos a trabajar en estos meses, además de salir de gira a otras ciudades”.

Krimen nos muestra como es el garaje rock, un término medio de la música, no muy cocido ni preparado pero que debe así para no perder lo jugoso y lo crudo que todos realmente amamos del rock.

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Celso Piña: folclor en el pop sin pedir permiso

Hoy en día encontrarse con un consumidor de música monogenérico no solo es algo raro, sino chocante. No solo los exponentes son influenciados por artistas dispares a su escena y colaboran con estos, también se abren los espacios reservados a un tipo específico de música a personajes ajenos en sonido pero similares en actitud y proyección, la oferta musical es más diversa que nunca.

En los 80, México estaba lejos de esa apertura musical. Los estereotipos y prejuicios castigaban a cualquier género que no fuera el pop cursi y acapulqueño de la época. Imaginar que un señor bigotón de Monterrey pudiera tocar el acordeón junto al mirrey Luis Miguel o al Timbirichi en turno era a lo mucho una broma para un sketch. Más difícil de imaginar eso, era la posibilidad de que un acordeonista que tocaba música para cholos regios fuera reconocido en vida como hito cultural, y que en la muerte fuera llorado por melómanos del pop, la cumbia, el norteño, el rock, el rap, el hip-hop, el ska y el ballenato.

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

“Rebelde del acordeón”, fue el nombre que se le dió a ese músico de una zona favelera de Monterrey. En el Cerro de la Campana de la Sultana del Norte, unos chicos descubrieron por accidente el sonido que volvió internacional al acordeonista. Grupos de jóvenes de la popular colonia Independencia organizaban fiestas callejeras, donde además reproducir sonidos de su herencia norteña, tenían influencia de la cultura chicana de finales del siglo XX así como de ritmos colombianos como la cumbia y el ballenato. En una de estas fiestas una cinta reproducida por error a menos revoluciones de las necesarias, dio origen a una cumbia más lenta que gusto a los asistentes y se volvió característica de ese tipo de fiestas. Esta música recibió el nombre de “cumbia rebajada” o “cumbia cholombiana”.


Más difícil imaginar, era la posibilidad de que un acordeonista que tocaba música para cholos regios fuera reconocido en vida como hito cultural.

Con un ritmo tan rico en influencias culturales y tan conectado con el pueblo parecería que las posibilidades serían ilimitadas; sin embargo, ese rebelde hacía con su acordeón cosas muy distintas a las de otras leyenda del instrumento quimera como Ramón Ayala, es decir, su ritmo era muy chocante para los estándares de la música regional tradicional. El norteño no lo consagró y la cumbia era muy marginal por ese entonces como para ser apreciada. Por otra parte, el pop y rock, pasaban por buenos momentos pero los acercamientos al folclor y a lo popular estaban aún lejos de suceder. 

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

Control Machete y El Gran Silencio, como principales exponentes de la avanzada musical regia de finales de siglo, capitalizaron al “Cacique de la Campana”. De esta apuesta no solo saldrían los dos himnos más importante del músico regio, sino la punta de lanza algo más nacional y trascendente que la cumbia cholombiana: el sonidero.

 “Cumbia Poder” y “Cumbia sobre el río”, estas dos canciones además de mostrar el talento musical del habitante del Cerro de la Campana en otras escenas, llevaron la subcultura de los bailes de cumbia rebajada a otras metrópolis del país; ahí se volvió parte de la identidad de las clases populares de México; luego de la cultura del mexicano regular, presente en bodas, quinceañeras, graduaciones y la juergas de fin de semana entre oficinistas. 

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

Con el gusto por la música del “Rebelde del Acordeón”, (para este entonces ya relacionado con Café Tacvba, Resorte y otros artistas reconocidos a nivel internacional) vino el interés por las cumbias, las caguamas, los grupos que cerraban calles en las colonias populares, las luchas, el pulque y todo ícono tropical que encajara en la diversión de ese carismático señor bigotón.

Actualmente, es normal ver algún grupo norteño o de cumbia colado en los line-ups de festivales de rock y pop, no solo como un gancho para personas de distintos estratos socioeconómicos, sino como posible prospecto a generar un éxito tan grande como el de Los Ángeles Azules, ahora abrazados por las divas del pop en español, orquestas filarmónicas, Coachella, festivales wannabes de Coachella y el país en general. Mi Banda El Mexicano, Los Tucanes de TijuanaBanda Machos han sido algunos de los beneficiados por este fenómeno. Aunque la tendencia va a la baja y parece que para la próxima década los artistas “eclécticos” vendrán desde el reggaetón y trap (pero solo los que entiendan que la corrección política es moneda de cambio y que a cambio de poner un alto al clasismo, se les pide reducir su misoginia). 

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

Independientemente de la relación que vayan a llevar en los próximos años, el pop, tan mainstream, tan fresa, tan internacional; con el folclor, tan alternativo, tan barrio, tan regional; los acercamientos que han dado paso la situación actual de la música latina, se los deben a Celso Piña, que nunca pidió permiso para tocar su acordeón en donde quisiera y con quien quisiera.

“Mi vida pop”: cuando ser melómano se queda corto

“Para saber de algo hay que practicarlo” es una frase que me causa repulsión porque a pesar de su carácter verdadero, es parcial; sin embargo, se toma como una máxima universal e inquebrantable. Es un recurso de artistas y profesionales susceptibles para denegar cualquier crítica a su trabajo. Es una paráfrasis mañosa de la que sí debería ser una máxima: “Para conocer algo hay que experimentarlo”.

El empirismo es la esencia de la trayectoria y vida de Sr. González, quien tras superar el cáncer, se enfocó en la titánica tarea de reflexionar y escribir sobre su relación con la música desde su infancia hasta la actualidad. En 2011 ese esfuerzo produjo su libro Mi vida pop editado por Rhythm & Books. Próximo a reeditarse, es oportuno hacer una digresión de uno de los mejores testamentos musicales escritos en español esta década.

El problema con la idea de que basta practicar alguna actividad para conocerla es que resta valor a otros factores que pueden abonar tanto o más a esta: tradición oral, lecturas, la academia y por supuesto, ser espectadores. Esta idea se explica mejor con la trayectoria de Rafael “Sr. González”. Miembro de Botellita de Jerez de 1988 a 1997 y de 2013 a 2019, acompañó a los miembros originales mas nunca coincidió con Sergio Arau. Ha sido productor de cerca de 20 discos y colaborador de artistas como Café Tacvba, Julieta Venegas y Monocordio. Además tiene una activa carrera como solista y escritor.


“La necesidad de retomar este texto viene de que podría servir de guía para adaptarnos a una época que cada vez tolera menos los prejuicios musicales”.

Sr. González es un hombre que ha abordado la música y cultura pop desde diversos ángulos; no obstante como se darán cuenta los lectores de Mi vida pop ninguno era suficiente para tener una historia.

La historia de Botellita de Jerez, podría bastar para un libro, pero seamos honestos, ¿la queremos escuchar de voz del cuarto miembro en importancia? Los libros musicales tienen una larga lista de remoras que toman una pluma para contar historias que no les pertenecían, como Pamela Des Barres que cuando se terminó el atractivo físico que le permitió acceder al camerino de diversas leyendas del rock escribió libros que “reivindican” la figura de la groupie (la cual paulatinamente muere gracias a la labor de mujeres que sí han tenido un rol activo en la música). Como el caso de Des Barres hay cientos de colaboradores menores y contrataciones por evento que luego se aventaron la puntada de ser portavoces de proyectos que no les deben nada (inserte aquí la banda tributo formada por el panderetero de aquel concierto en aquel rancho).

El autor escribió el libro como una reflexión a sus hijas y en general a todos los que hemos sido definidos por la cultura pop pero a veces no somos conscientes de los alcances de esta. Aquí los discos y canciones son parte del contexto de una vida entera dedicada a la música. Esta comienza en una niñez sonorizada por los discos de papá, mamá y esas canciones para chicos que pasan de generación en generación como Cri-Cri. Continúa en una adolescencia marcada por música disco, rock progresivo, psicodelia, y el fantasma del ambiente político en latinoamérica de la última mitad del siglo XX ¿Qué tiene que ver la política con las memorias de un melómano? Todo, pese a lo que pregonen canales de música retro como VH1 y Much Music, la música no definió épocas, estás definieron a la música y la cultura pop. Sr. González además de hablar de su crecimiento, nos recuerda cómo los conciertos y estudios de grabación eran marcados por protestas sociales, represiones políticas, revoluciones ideológicas y folclor.

El gran acierto del texto es la honestidad y cuidadosa reflexión de González, porque a pesar de ser melómano y docto en la escena musical no cae en la pretensión. Con la amenaza del cáncer y sus secuelas atormentándolo, el autor sabe que no es tiempo de hablar de música pretendiendo que en la escena no suena la Trevi y sí David Bowie; y negar que a su manera tanto Timbiriche como Bjork fueron relevantes para la época.

Además de la próxima reedición del título, la necesidad de retomar este texto viene de que podría servir de guía para adaptarnos a una época que cada vez tolera menos los prejuicios musicales, que no tiene empacho de emparejar a Foo Fighters con Bad Bunny en la cabeza de un festival; pero sobre todo, una época que hace énfasis más que en que la cultura pop se experimenta y es incontrolable.

Autor: Rafael “Sr. González”

Ilustraciones: VV. AA.

Editorial: Rhythm & Books

Año: 2011

Páginas: 336

Disponible en: Facebook de Rhythm & Books, Librerías El Sótano y próximamente en nuestra tienda en línea. 

Juno estará de estreno en C3 Rooftop

JUNO, es un proyecto de rock alternativo que cuenta con una alineación destacable en la se encuentran: Archie Romo (quien ha acompañado en la batería a Pit Moreno), Victor Barajas, Juan Carlos Rosas (Jot Dog!) y Daniel Aceves (Azul Violeta, Sussie 4, Sofie Mayen, The Broken Flowers Project).

El proyecto nativo de la ciudad de Guadalajara se congracia con su casa y la hará partícipe de la presentación de nuevos sencillos, próximos a lanzar, en un evento de entrada libre el próximo viernes 12 de julio en la terraza bar, C3 Rooftop.

A pesar de ser una agrupación de formación relativamente reciente -a penas un par de años a lo mucho- los proyectos anteriores de sus miembros tienen apartados notables en la historia del rock y pop nacional. Por ello no extrañaría que Juno dé qué hablar próximamente.

Evento

  • Juno
  • C3 Rooftop
  • Viernes 12 a la 22:00 hrs
  • Entrada libre
  • Organiza Tragos de Rock
  • Mayor información en: Facebook oficial: Juno MX

México profundo: páginas de gala para leyendas de la música

Trampa: no es un libro que hable sobre rock, pop, urbano, metal, EDM, funk, Ska o algún género típico de quien esté leyendo este artículo. De hecho, a riesgo de espantar a cualquier posible lector, México Profundo, editado por Rhythm & Books, es un cancionero en el que el autor , el músico y escritor sonorense, Carlos Aviles que recopila 15 temas de música regional mexicana.

Si continuó con la lectura, ahora sí vale la pena mencionar algunos de los nombres reunidos en esta obra: José Alfredo Jiménez, Consuelo Velázquez, Antonio Aguilar, Chavela Vargas y Cuco Sánchez, entre los más destacados. Artistas que marcaron la historia de la música universal (Revisar las curiosidades de Bésame mucho) pero a menudo relegados a una marginalidad sonora debido a un clasismo imperante en una sociedad que a ciertas aficiones les da un valor inmanente de ignorancia o pobreza. La música de estos artistas se ha limitado a dos contextos: uno diurno, en el que la composiciones pueden sonar, pero solo si se trata de covers hechos por artistas actuales en álbumes tributo como los de Un Mundo Raro: Las Canciones de José Alfredo Jiménez o Bimexicano, Nuestros Clásicos Hechos Rock; otro nocturno, en el cual la música suena en sus versiones originales, pero solo tras una borracherra fuerte que sirva como excusa para la “ironía”.

El cancionero es un formato en desuso en el que los temas se recopilan siguiendo un hilo temático específico. En este caso, además del argumento de la tradición musical mexicana, podemos encontrarnos con canciones que expresan un amor y desamor que fueron el producto de una época, donde no estar con la persona amada tenía una significación de perdición o sentencia de muerte.


“Una sola mirada te di
Cuando estabas junto a mi rival
Yooo veeneno quisiera haber sido
Y clavar en su pecho un puñal […] “

La Elisa, Antonio Aguilar

La corrección política y repensar las relaciones han hecho que por suerte nuestro corazón roto no reaccione como en La Elisa de Antonio Aguilar o El Asesino de Los Cadetes de Linares. O como la más icónica de todas, La Llorona; interpretada por muchos, gobernada solamente por Chavela Vargas, no porque sea violenta, sino porque aterra la idea de que el alma le pueda doler a uno de esa manera (y sin embargo, lo hace).


Si porque te quiero, quieres, Llorona
Quieres que te quiera más
Si porque te quiero, quieres, Llorona
Quieres que te quiera más
Si ya te he dado la vida, Llorona
¿Qué más quieres?
¡Quieres más!

La Llorona, Chavela Vargas

Cada canción incluida en México Profundo incluye un texto que a manera ensayística reflexiona sobre el impacto cultural del tema en la música y como se volvió parte del imaginario colectivo. Carlos Aviles acompaña sus escritos con ilustraciones ad hoc con el folclor sobre el que escribe. Además el libro incluye un CD de covers con versiones más actuales de los temas, en los que converge esa tradición con los sonidos de hoy; aunque si no quiere ser ese escucha diurno del que hablé antes, por favor reproduzca los temas originales también. Honor a quien honor merece.

Autor: Carlos Aviles

Ilustraciones: Carlos Aviles.

Editorial: Rhythm & Books.

Páginas: 80, pasta dura, edición de lujo (incluye un CD).

Disponible en: Facebook de Rhythm & Books, Librerías El Sótano y próximamente en nuestra tienda en línea. 

Radar emergente: Dama Vicke, letras que expresan algo

Soy tan bestia que la primera que puse mis manos en el volante de un auto estrellé este contra un camión. Nunca aprendí a manejar ¿A qué viene mi inutilidad como conductor? Es lo único que tengo en común con Dama Vicke y la manera con la que consigo su atención, “Me da horror pensar en manejar además con el carácter que tengo no soy la persona más indicada para estar tras un volante, me volvería loca” me cuenta cuando acordamos una entrevista.


“Trato que en la música haya contenido, que mis letras digan algo que complemente la parte musical, si no, solo suenas bien y nadie te escucha realmente”

Puede que sea la única razón que tenga para conversar con tipos como yo. También sé que es la única similitud que tenemos porque esta es Dama Vicke: una multiinstrumentalista y cantautora ampliamente reconocida por la calidad de sus letras. El Miami New Times la consideró la mejor compositora de Miami en 2018, los American Tracks Music Award la nominarían por el mismo motivo y le darían el premio a mejor artista independiente en el mismo año. Ha sido parte de la selección de FIMPRO, también en 2018.

“Trato que en la música haya contenido, que mis letras digan algo que complemente la parte musical, si no, solo suenas bien y nadie te escucha realmente”. Ella me expone a sus referentes y entre ellos destacan muchos nombres con letras de peso: David Bowie, Pink Floyd, Can, Lila Downs, Blonde Redhead, Chavela Vargas y Rita Guerrero por mencionar a algunos.

Su música es un rock alternativo que toma las mejores partes del rockabilly y jazz de los 50 y 60. A diferencia de muchas cantantes latinas cuya descripción encaja en esto, Vicke no cae en clichés como la canción melosa con sonido dixieland ni en hacer temas de desamor con falsetes de mal logrados. Sobre ese carácter duro del que hablaba al principio podemos encontrar pista en sus temas, son letras para decir cosas personales no para enamorar a buscadores de “florecitas rockeras”.

La cantautora menciona su afición por el cine de horror. Ella misma podría pasar en una foto a blanco y negro por una actriz de películas serie B como las de Ed Wood (les juro que es un cumplido); incluso temas como Soft Soap y You’re Not a Ghost, rememoran los soundtracks de esta clase de cine al hacer uso de sonidos de fondo chirriantes y lúgubres.

Contacto cultural

Dama Vicke se presentó en Fimpro este año. FOTOGRAFÍA: Roberto César Mora

La cantante de ascendencia alemana nacida en México y radicada en Estados Unidos desde pequeña, sabe lo que es el choque cultural, “Es algo necesario ver lo que otros hacen, escucharlos, aprender de ellos, no encajonarte en tu mundo” comenta cuando le pregunto sobre intercambio de géneros y países en eventos como FIMPRO. Su talento la ha llevado a actuar en Colombia, Estados Unidos, Cuba y México.

Dama Vicke terminó su tour este año y planea terminar un álbum debut en forma (solo ha publicado EPs) este año, ¿qué seguirá para ella? Probablemente tomar un curso de manejo, entonces seremos de especies totalmente distintas; por supuesto, ella una superior.


“La ventana y el umbral”, el testamento de Botellita de Jerez

Los testamentos son cosa curiosa, pese al rigor legal y social que poseen, estos no dejan de ser un deseo que espera ser cumplido de manera honesta por un mundo caprichoso; sin embargo, los escribimos como si plasmasemos hechos en la línea del tiempo misma. No sabemos qué estaremos haciendo cinco minutos antes de morir, no sabemos de qué manera morimos, no sabemos si hay vida después de la muerte; a pesar de eso escribimos nuestra última voluntad con la mayor naturalidad del mundo. 


Leer este libro de Vega Gil y sus socios tiene la misma naturaleza que un testamento; no es para prolongar el trauma de una muerte, sino para honrar una vida

En 2010 los miembros fundadores de Botellita de Jerez se reunieron para colaborar en un texto para la casa editorial Rhythm & Books titulado “La ventana y el umbral”. El libro tiene distintas aportaciones de los tres músicos mexicanos y cada una de ellas refleja su personalidad: Sergio Arau pone sus ilustraciones que representan el lado más oscuro de nuestros sueños; Francisco Barrientos “El Mastuerzo”, presenta en el prólogo una interpretación emotiva de la obra de uno de sus seres queridos; por último, la base de todo es el texto de Armando Vega Gil, un escrito que no se adhiere a un género literario y lo mismo puede ser un complejo verso libre (tanto en forma como en contenido) como una fábula con una lección sombría. 

Uno al pensar en legados musicales, da por sentado que siempre son discos, videoclips y presentaciones. Es curioso que en el caso de una banda tan apegada al folclor de México su requiem involuntario sea un libro de tapas moradas y un tono solemne. Si creen que es una analogía sacada de la manga, las líneas finales del libro son las siguientes: 

ya jamás habrá silencio
ahora 
tal vez ahora
Dios crea en mí.

Raya en lo macabro la similitud de estos versos con el final abrupto de Botellita de Jerez, que fue una cadena de estruendos que dejó el zumbido de las preguntas sin contestar. 

Leer este libro de Vega Gil y sus socios tiene la misma naturaleza que un testamento; no es para prolongar el trauma de una muerte, sino para honrar una vida.

CORTESÍA

Autor: Armando Vega Gil

Prólogo: Frascisko Barrios

Ilustraciones: Sergio Arau

Editorial: Rhythm & Books

Páginas: 56 (incluye un CD)

Disponible en: Facebook de Rhythm & Books, Librerías El Sótano y próximamente en nuestra tienda en línea.

El ReTokin Fest: una tocada que cruza fronteras

Un concierto con los mejores exponentes del rock mexicano, seamos sinceros, suena a algo rutinario. No importa que tan talentosos puedan ser Rubén Albarán, El Gran Silencio, Porter, Enjambre, La Gusana Ciega y Comisario Pantera. Para el oyente promedio de rock en México, el hecho de tenerlos tan alcance y que sus shows sean parte de nuestra cotidianidad, así como los tacos, hace pierdan valor para nosotros.

Sin embargo, así como la comida mexicana, hay para quienes esta no solo tiene un valor semántico de tradición y nacionalismo, sino de compañía y valor cultural: las comunidades latinas en Estados Unidos.

El Retokin Fest se ha dado la tarea de organizar eventos con lo más representativo de nuestra escena musical en las principales ciudades santuario de Texas, un territorio que tiene sentimientos encontrados por los latinos.Anteriormente los organizadores han dado la nota con shows que incluían a artistas como Celso Piña y Hello Seahorse! Este nuevo show es más amplio y presenta más variedad de géneros musicales.

Los carteles además de nombres de artistas; si los leemos bien, tienen varios mensajes ocultos: quién es más relevante en la escena musical; cuál es la tendencia de la temporada en cuanto a géneros, quién tiene la responsabilidad de ser el rockstar, el showman, o el bohemio. Este cartel en particular es una declaración de principios para quienes tratan de venderle al mundo la imagen de una Latinoamérica traumatizada, errática y violenta. Este festival busca demostrar que también somos artistas, y de hecho la gran mayoría de nosotros somos consumidores de arte y la prueba es como nos hemos mantenido fieles ante nuestros artistas.

Se repita o no este evento, esta edición llenará a los compatriotas de alegría tanto como cuando viene a México y ven un hermoso puesto de tacos.

CORTESÍA

La cita será en la Explanada Dallas Event Center el 25 de mayo. Costo: de $55 A $85 USD, menores de once años entran gratis. Es organizado por UptownLatino.net. Para adquirir boletos o más información, ingresen a elretokin.com.