“Que esta Navidad no se sienta tan fría”. Entrevista a José Manuel Aguilera

Que esta Navidad no se sienta tan fría”. 

Lo anterior, es el único deseo de José Manuel Aguilera (Ciudad de México, 1959) con respecto al final de este 2019 y la propuesta que engloba Llega Diciembre, un concierto especial para finalizar el año y que Aguilera lleva haciendo desde 2015 en CDMX para ofrecerle a sus fanáticos un cierre de ciclo y que arriba a Guadalajara por vez primera al escenario del C3 Stage. Vaya, un “cerrar el año con música”, como bien dice uno de los músicos y guitarristas más importante de México, que a lo largo de su amplia trayectoria ha pasado por bandas como Sangre Azteka, Caifanes y Jaguares. 

Pero, ¿qué es exactamente Llega Diciembre? Pues sencillamente una celebración, donde no se hace un repaso de toda la carrera de La Barranca, sino una somera interpretación de las canciones más queridas de la banda por parte del público tapatío. Sí, esas que han horadado en lo profundo del espíritu de Guadalajara y que serán interpretadas con esa garra característica de Aguilera y compañía.

Sobre la azotea de El Cardenal, ese bar ubicado en pleno corazón de la zona de El Expiatorio, José Manuel Aguilera charló con Revista Instinto sobre este concierto llamado Llega Diciembre, así como la adición justa en batería de Abraham Méndez, lo que fue ese gran proyecto de Noche Profunda y lo que les espera a los tapatíos este próximo 19 de diciembre en el C3 Stage…

Básicamente, ¿qué es Llega Diciembre?

Bueno, en CDMX hemos estado haciendo estos conciertos para cerrar el año con música y romper poquito la dinámica que se establece en estas fechas, que luego es mucha comida corporativa, ir al mall a comprar los regalos, todo eso. Entonces, ¿por qué no abrir un espacio para que haya música, puesto que normalmente las bandas dejan de tocar en diciembre? La idea anterior la hicimos en CDMX y nos funcionó y lo hemos venido repitiendo ya durante algunos años. Ahora, por primera vez la traemos a Guadalajara y la cosa es invitar al público tapatío a que también se haga cómplice de esta iniciativa de ley e instaurar así una tradición.

Por ahí lo leíamos y salían los reclamos de “¿por qué no en Puebla, por qué no en Monterrey o por qué no en Guadalajara?”. Ahora que nos enteramos que por fin vienen gracias a esta sociedad que tiene La Barranca con Cultura UDG y luego ahora en el C3 Stage, pues mucho mejor, ¿no?

Ahí se fue sumando y materializando la idea. Así que aquí estamos ya para que el próximo 19 de diciembre en el C3 Stage. Tengo entendido que está jalando bien (el foro), que está calientito. Lo conozco, tocamos ahí hace años, cuando el foro estaba empezando. Pero ahora está mejor porque la gente ya lo tiene bien ubicado. 

Sí, el C3 Stage ya es uno de los foros referencia para las personas en Guadalajara y qué mejor, que sea un “regalo” navideño para nosotros…

Pues sí, para los que gusten de esta música, es una manera de hacerse un regalo. O invitar a un amigo para que le des un regalo. En vez de que vayas al Sanborns a comprar una corbata, vente a ver a La Barranca. Seguro te lo van a agradecer más que la corbata.

Se agradece porque como bien dices tú, es un mes donde todo para y las personas están como en calma, así que un mes con la dosis sonora de La Barranca pues está mucho mejor…

Se va a poner bueno, vas a ver (risas).

Entonces, con este concierto de diciembre, ¿vas a dar una especie de repaso desde el primer y hasta el más reciente disco de La Barranca?

Pues, en sí, repaso no es. (El concierto) No es desde la óptica del repaso sino, fíjate, siempre nos mueve venir a presentar cosas nuevas a Guadalajara, o conceptos, discos nuevos, o hasta nuevas alineaciones de músicos. Ahora lo que queremos un poco hacer es una especie de celebración y estamos haciendo un programa donde queremos tocar, en la medida en que nosotros lo detectamos, las canciones más queridas de la banda, que es algo que nunca hacemos.

¿Lo anterior La Barranca lo hace de acuerdo a la ciudad?

Pues sí, claro, porque ahora ya sabes (que tienes un indicador) que puedes al menos a través de las plataformas virtuales, que tampoco es la única verdad, pero ahí se muestran los parámetros e indicadores que te dicen que en ciertos lugares escuchan más ciertas rolas y entonces por ahí va el diseño de este concierto. 

Por otro lado, la actual alineación de la banda se muestra muy sólida.

Sí, esta alineación creo que ya completamos la pieza que nos faltaba que es Abraham Méndez, nuestro muy joven baterista y originario de Aguascalientes, creo que con él la alineación está redonda, está muy productiva y regresamos a Guadalajara con esta formación. Además, están los hermanos Romero, unos chicos muy talentosos, muy dedicados y muy buenos en sus respectivos instrumentos, pero sobre todo, muy comprometidos y entregados con La Barranca, y también está Yan Zaragoza (teclados).

¿Abraham viene de apoyo contigo o lo vas a incluir en lo de Noche Profunda?

Mira, Abraham no está en Noche Profunda porque no lo conocíamos en esa época y el baterista ahí es Alfonso André, músico muy querido de mi parte y aliado de La Barranca de toda la vida y de otros proyectos que hemos hecho con él. Por ejemplo, ese de Noche Profunda, que no es otra cosa que concreción en estudio de aquel mítico concierto de la FIL en 2016 con los boleros y el rock y un buen elenco de cantantes. Todo eso se llevó al estudio. Luego, hubo que entrar a ciertos procesos extras como presupuestos y cosas administrativas de una institución tan grande y tan compleja como lo es la Universidad de Guadalajara, pues tienen miles de proyectos. Pero la verdad es que el compromiso de ellos era sólo hacer el concierto. Entonces les dije que no podía ser que sólo sucediera una noche y ya, así que acordamos llevarlo a una instancia discográfica pero pues ahí fue donde no fue tan fluida la cosa por los mecanismos institucionales. Pero, bueno, ahora en este septiembre ya se hizo el lanzamiento del disco y se subió a todas las plataformas digitales y también hay una edición física disponible. 

¿Y la distribución también se da a través de un sello independiente?

Sí, es la distribuidora con la que comúnmente trabajo yo: Fonarte Latino.

Así que ya conoces sus mecanismos…

Sí, y sus mañas (risas), pero sí, todos sus mecanismos. 

¿Armar Noche Profunda te costó un ‘trabajote’ y conjugar todos los talentos que subieron al escenario de la FIL?

Sí, fue un trabajo bastante demandante. Además, hacer una inmersión a fondo en el bolero y luego hacer todos estos arreglos, trabajar con todos los diferentes artistas y coordinarlos, por eso fue que dijimos que teníamos que llevarlo un paso más. Y ese paso más fue hacer un disco.

¿Cómo se sensibilizaron cada uno de los músicos para rescatar los boleros y ponerle algunos tintes, digamos ‘personales’?

Todos respondieron muy bien y desde el principio la idea de este elenco que se convocó, la curaduría, lo hicimos pensando más que en voces y técnica, pues pienso que el bolero no es en sí una cuestión de técnica sino de sentimiento, por eso tratamos de invitar a gente que… Bueno, sí hay técnica en el bolero, aclaro, por supuesto, pero lo digo para distinguirlo de esas aproximaciones que hizo Luis Miguel, que son muy frías. Yo quería cantantes que tuvieran esta posibilidad de involucración emotiva, que tuvieran una garra y que provinieran todos del ambiente del rock. Entonces, creo que todos respondieron muy bien a la idea. Está Valentina (González), (Gerardo) Enciso, Saúl Hernández, Denise Gutiérrez, Jaime López y Cecilia (Toussaint), entre otros.

¿Y con Noche Profunda existe la posibilidad de que no sólo nos quedemos con la presentación de la FIL y que se hagan otras en diversas ciudades?

Más que posibilidad, ahí existe el gusanito de que estaría padre hacerla (una gira). Pero, como te digo, el proyecto de por sí se extendió y lo demás sería de hablarlo para hacerlo desde el principio porque ya paso bastante tiempo. Habría que ver la disponibilidad de la gente, que siempre es el problema en una cosa que involucra tantos músicos de diferentes grupos y geografías. Pero, bueno, ganas sí hay, tanto de la parte de nosotros como de Música UDG.

Creo que sería ideal escuchar Noche Profunda en el Conjunto Santander de Artes Escénicas. Ahí ya se presentaron y es un foro magnífico, ¿no? 

¡Ahí tendrá que ser! Es un foro magnífico. Pero, bueno, vamos a ver que dispone un poco la realidad. 

Siempre es un gusto, Aguilera, tenerte en Guadalajara, una ciudad que fue detonante para que surgiera en sí La Barranca.

Sí, gracias, y no sólo La Barranca sino muchas otras cosas como esto que hablamos de Noche Profunda, que es un proyecto de la Universidad de Guadalajara. Por eso, también nos da mucho gusto poder venir a hacer esto de Llega Diciembre a la Perla Tapatía, porque queremos realmente agradecerle a la gente que se haya subido al barco con La Barranca con tantos proyectos y cosas que hemos hecho a lo largo de tantos años. A fin de cuentas existe una relación que me atrevo a decir que es intensa, que es comprometida, que es cómplice, con el público de Guadalajara.

Como público, yo me muevo de un lado a otro en los conciertos y veo las caras de los asistentes, las canciones las cantan y se estremecen, que es lo chingón de un grupo en vivo; vaya, ir a ver y escuchar una banda y que te causa una sensación y un sentimiento, y hasta cada rola vas aterrizando una situación de la vida. Creo que en ese sentido, lo vemos reflejado en ese sentido con La Barranca en cada uno de sus conciertos.

Sí, es maravilloso el público de Guadalajara. Y, bueno, pasa que a veces se pierde de vista eso que acabas de decir. Pero en general un concierto debería de ser justamente eso que preguntas, más que una demostración de las luces computarizadas que trajo el ingeniero. Un concierto debería de ser esa posibilidad de meterte en la música de una manera más emocional y que salgas de ahí tocado de tus fibras. Si no, ¿para qué vas? Si no, préndele a la televisión o quédate en tu comida corporativa brindando con tu jefe. 

De su lado, ¿ven a la gente cuando eso sucede?

Nosotros somos como un espejo de lo que la gente está generando. Nosotros lo regresamos a través de lo que hacemos, que es tocar. 

19 de diciembre en el C3 Stage.

Hora: 8:30pm
Neptuna como agrupación invitada.


Woodstock 99 y Fyre fusionados en Knotfest México.

Este sábado fue el tan esperado Knotfest México, evento anhelado por muchos por quienes al fin tendríamos la oportunidad de ver en vivo a nuestra banda favorita. El festival pintaba prometedor, pero al final, terminó en la más pura decepción.

Las horas previas al festival, cuando muchos ya nos encontrábamos haciendo fila iban con total tranquilidad, se miraba movimiento dentro pero todos suponíamos que solo afinaban los últimos detalles. Es cierto que desde la noche anterior ya se sabía lo de la cancelación de Testament (además de su concierto que jamás dieron en Guadalajara), pero a pesar de eso seguíamos optimistas y creíamos que no pasaría a mayores.

Abridores sin público

La primer mala señal se dio horas después, las primeras bandas tocaban a las 12:05 horas; sin embargo, las puertas seguían cerradas y tuvieron que tocar sin público, para las dos de la tarde había quien aún no dejaban entrar, mientras que por otro lado había gente entrando sin boleto, exactamente el mismo error del año pasado.

El festival seguía relativamente bien a pesar de todo, pudimos darnos el lujo de ir hasta CDMX a apoyar a nuestros paisanos de Parazit y Cemican, un show increíble por parte de cada uno, sobre todo los segundos que demostraron por que merecen ser una de las bandas nacionales más queridas en la actualidad, la banda incluso terminando su concierto bajaron del escenario a convivir con el público y tomarse fotos con ellos.

“Las puertas seguían cerradas y tuvieron que tocar sin público, para las dos de la tarde había quien aún no dejaban entrar, mientras que por otro lado había gente entrando sin boleto”

Seguidos por Of Mice & Men, que se notaban entusiasmados por estar en nuestro país también dieron un espectáculo digno de recordar.

Una vez acabado su show, fue cuando se comenzaron más problemas, la zona de comida estaba saturada, incluso lucía demasiado pequeña. Probablemente hubiera sido buena idea distribuir algunos restaurantes por demás sitios del parque. A eso se le suma que comenzaron los problemas del cashless, a algunos solamente nos dieron una tarjeta (¡del Ultra Festival!) para usarla, pero resulta que en algunas tiendas y restaurantes solo aceptaban la pulsera del festival, para las 16:00 horas ya había sitios donde el sistema les había fallado y solo se podía pagar en efectivo, ¡Pero no podíamos pedir reembolso porque a fuerza nos teníamos que esperar hasta la medianoche!

Nos decidimos mover al escenario principal, justo cuando estaban terminando de montar el sonido de Stratovarius, la banda toco todos sus éxitos, abriendo con Eaglehearth y cerrando con Hunting High And Low, al igual que OM&M se notaban felices de estar en nuestro país, el público no paró de corear en ningún momento. Saliendo de la zona de foto notamos que un puente afuera del festival estaba repleto de gente que podía ver todo lo que pasaba en el escenario principal, y sin necesidad de pagar. Sin más importancia. continuó el show.

Behemoth, uno de los shows más esperados le continuó, a pesar del reducido espacio (Suponemos que el escenario completo era para cuando saliera Slipknot), dieron un gran espectáculo y mucho mejor producido: desde el vestuario, la decoración e incluso el uso de antorchas por parte de Nergal. Aquí nuevamente aparecieron los problemas cuando el sonido comenzó a fallar en algún momento casi a punto de terminar el show, cosa que la banda confirmó minutos después en sus redes sociales.

Saliendo de Behemoth algunos fotógrafos nos llevamos una grata sorpresa, ¡Solo se le permitiría el acceso a 15 fotógrafos para Slipknot! Hasta el momento me pregunto que filtros se utilizaron para escogerlos, es entendible que nuestro medio al ser pequeño no apareciera en la lista de los 15, ¡pero cuando ni siquiera medios como Rolling Stone aparecen!, Es imposible no quedar intrigado. El resto de los fotógrafos decidimos correr a la zona del público mientras aún seguía Behemoth para poder agarrar buen sitio para cuando saliera Slipknot y tomar las fotos desde ahí.

A Behemoth le seguía el acto de las Cherry Bombs, nadie estaba realmente interesado en dicho espectáculo, pero se llenó porque todos querían tener buen lugar para cuando saliera Slipknot. A pesar de el poco interés del público, se terminaron llevando aplausos al por mayor.

Comienzan los disturbios

Justo cuando acabó el show de las Cherry Bombs fue cuando se desató el verdadero caos. Público que venía de ver otras bandas, y parte del que estaba en la zona general del escenario principal, se arrojaron en estampida contra una valla pobremente reforzada y con nulos elementos de seguridad; esto fue perfecto para que cayera en cuestión de segundos. Varias personas acabaron lesionadas con la caída del cerco. Quienes nos encontrábamos más adelante aún no sabíamos que pasaba, para entonces Evanescence ya tenía una hora de retraso, la gente se estaba molestando, además nos intrigaba el hecho de que tras dejar el escenario montado no hubiera más movimiento arriba e incluso acabaran saliendo los ingenieros de Slipknot, había confusión por todas partes.

Los organizadores no reaccionaron a la valla caída hasta media hora después , su gran solución fue volver 45 minutos después y “repararla” atravesando un tubo oxidado. En el fondo no dejaba de sonar por tercera vez un disco de Queens Of The Stone Age mientras todos se empezaban a desesperar. Llegó a sonar una voz en el altavoz pidiendo orden, el público puso de su parte pero se seguían sin ver resultados.

Pronto la gente se desesperó, comenzaron a lanzar vasos con tierra al escenario y a lanzar gritos como “¡OCESA! ¡OCESA! ¡OCESA!” “¡FRAUDE!, ¡FRAUDE!, ¡FRAUDE! ” “¡REEMBOLSO!, ¡REEMBOLSO!, ¡REEMBOLSO!”, un sujeto prendió fuego a un vaso cerca de la primera fila, el público y seguridad se molestaron, estos segundos no hicieron nada hasta que el público los presionó, aquí tuve sentimientos encontrados, entendía la frustración del tipo pero también sentía que su numerito de querer prender fuego solo empeoraría las cosas.

“En el fondo no dejaba de sonar por tercera vez un disco de QOSTA mientras todos se empezaban a desesperar”.

Pasados los minutos la gente del puente se comenzó a burlar de los asistentes repitiendo los mismos gritos que habían lanzado antes.

Los precios de los productos se dispararon, un ejemplo de esto es que unas aguas que comenzaron en $30 ya las estaban dando en $70.

Eran la 1:30 y ya todos se habían rendido comenzamos todos a salir no sin antes llegar por nuestro reembolso ¿Y cuál es la gracia con la que salen? ¡Que se quedaron sin efectivo!, las mentadas de madre no faltaron, asistentes comenzaron a golpear las instalaciones de cashless e incluso algunos pobres empleados fueron bañados en lo que esperamos fuera cerveza, y todo por culpa de la pésima organización.

En la salida los vendedores seguían haciendo su agosto rematando todo a precios absurdos. Minutos después de que salimos fue cuando se disparó el verdadero caos con el público que comenzó a encender hogueras e incluso se subieron al escenario a prenderle fuego al equipo de Evanescence. Hubo quienes hasta se robaron cosas como cables y pedaleras.

La imagen que nos dejó el Knotfest, que pintaba para ser un gran día fue simplemente lamentable, fue por un lado un público salvaje que tuvo la mejor vista posible sin pagar por ello, y por otro la pésima organización de Live Talent. Jamás nadie tuvo pantalones de salir y dar la cara, en redes sociales se la han vivido dando excusas absurdas como “los grupos de choque” y con su negro historial como confiar en ellos. Lo malo es que se seguirán burlando de la gente mientras esta les siga solapando todo.

*Las opiniones de nuestros colaboradores son completamente personales y Revista Instinto no se hace responsable por lo que digan.

Resumen del Corona Capital 2019: diez historias y que esperar a futuro

El capítulo diez del máximo festival de otoño concluyó hace unos días, y así como otros eventos colosales, pese al resultado, siempre dan de qué hablar y marcan a la escena musical.  La edición más grande del Corona Capital nos dejó recuerdos e impresiones de todo tipo: la grata sorpresa de nuevos actos, la añoranza de ver a bandas históricas, dudas sobre algunas ideas implementadas y muchas experiencias personales que no tienen cabida en una nota, pero que son las que cada uno más rememoremos de este evento.

Mientras todavía tenemos fresco el recuerdo de lo que vivimos el pasado fin de semana en el Autódromo Hermanos Rodríguez, y antes de que nuestra atención se centre en los colosos que están a la vuelta de la esquina (Catrina, Vaivén, Pa’l Norte y Vive Latino); hagamos un repaso de lo que vivimos en el Capital.

Lo que va a sonar fuerte

Keuning / FACEBOOK / CORONA CAPITAL

Como ya es costumbre, el Corona Capital nos trajo a horas tempranas actos emergentes y propuestas alternas, que aunque no son conocidas para la mayoría de asistentes y no suelen convencer a alguien de comprar un abono; dan de que hablar por su empuje creciente o como gratas sorpresas.

Entre lo más destacado de dichos actos tuvimos a los siguientes artistas: Georgia, Brutus, King Princess, Kero Kero Bonito, Car Seat Headrest, Keuning, Mija, Dear Boy y Noah Cyrus. Cada uno de ellos con sonido muy particular, pero son similares en que son actos que han experimentado musical, lírica y escénicamente desde sus respectivos géneros.

La campanada de la tarde de domingo la dio Sofi Tukker, ya que, a pesar de no ser ningunos desconocidos, el dueto congregó a una multitud comparable a la de los actos principales. La presencia escénica de Tukker y su interacción con el público los pone en el pódium de las presentaciones del festival. Lo único que necesitan los neoyorquinos es un megahit y no hay duda que se codearán bien con la crema y nata del pop.

Nostalgia de todos colores

The B-52s / FACEBOOK / CORONA CAPITAL

Aunque la nota retro parecía girar únicamente en B-52s (de quienes vamos a hablar más adelante y no por la mejor de las razones), hubo otros artistas que nos trajeron recuerdos de una época en que no nos reventaba la espalda después de siete horas de música.

Cat Power, Kurt Vile, Phosphorescent y Miami Horror son artistas con trayectorias que se remontan a finales de los 90 y principios de los 2000. Es difícil pensar que vayan a despuntar tardíamente, pero en su momento, sus canciones fueron parte importante de la cultura pop y le han dado color e inspiración al nuevo milenio.

Dentro del escalafón de la nostalgia y como segunda mejor presentación del festival colocaremos a unos que sufrieron mucho con la mala racWeezeha de los Tiburones Rojos del Veracruz: r. Rivers Cuomo y compañía nos han entregado desde Red Album, una prolífica serie de materiales de estudio que, aunque cada uno nos ha dejado sencillos memorables, nos han quedado a deber como obras en conjunto. Esta mala racha la cortaron el año pasado de una manera un tanto tramposa pero disfrutable al lanzar el Teal Album, un recopilación de covers en donde cada uno conserva la esencia original y se mezcla con la actitud de fanboy del rock de Cuomo.

A esa nostalgia por los clásicos de los 80 se suma la que genera Weezer por derecho propio con Pinkerton y el Green Album. Urge que salga Van Weezer.

Y el mejor headliner fue…

Billie Eilish / FACEBOOK / CORONA CAPITAL

El line-up de esta año fue notable por la cantidad de grandes nombres que reunió para presentarse: Billie Eilish, Interpol, The Strokes, The Raconteurs, Nick Murphy, Keane, Bloc Party, Years & Years, Flume y Franz Ferdinand. Cada uno de estos artistas juntó a una masa de fanáticos en su respectiva presentación y consiguió ser tendencias en redes sociales, independientemente del resultado final.

Entre ellos vale la pena destacar a la joven Billie Eilish quien apenas a los 17 años y contra la opinión de sus heaters (con cada vez menos argumentos válidos) estuvo a la altura de la difícil tarea de cerrar un escenario. La sensación pop todavía es algo torpe en escena al intentar dinámicas con el público y tiene poca experiencia en festivales masivos; sin embargo, tiene un carisma enorme que vuelve algo tan trivial como golpearse la nariz con el micrófono un momento divertido. Una gracia de este tipo es algo que ni en sueños podríamos esperar del sándwich de pan blanco sin orillitas llamado…

Interpol, es sin duda alguna el ganador a el mejor acto del festival en un duelo que sabemos iba definirse entre ellos y The Strokes. El problema es que esta batalla deja un mal sabor de boca, al estilo de la peleas de Floyd Mayweather Jr. 

Paul Banks y compañía no necesitan de un show espectacular, habilidades teatrales, tener gestos con el público, tocar cover alguno, ni ninguna de esas cosas que hace la diferencia entre escuchar un artista en tu casa y pagar una entrada. El grupo se basta de su excelente repertorio y un “gracias México” repetido ad nauseam tras cada canción. En este sentido, Interpol es Mayweather, no corre riesgos donde no hace falta arriesgarse (La Cd. De México es la que más consume la música de los neoyorquinos en el planeta, le siguen Santiago de Chile y Guadalajara).  En pocas palabras para que la presentación fuera memorable solo tenían que pararse a tocar y ya.

Del otro lado de la moneda, tenemos a The Strokes, quienes a diferencia de sus paisanos, ni siquiera cumplieron el tiempo marcado en el horario. La diferencia entre ambos actos radica no solo que la responsabilidad de cumplir tiempos, sino  en la disposición. Mientras Paul “avena con agua” Banks trata de ser todo lo carismático que su parca persona le permite; Julian Casablancas luce cansado, pasado de tacos y tragos cuando está con The Strokes, pero al día siguiente es una fiesta con su –no tan interesante- proyecto personal, The Voidz, y dos días más tarde brincotea con Jack White y Raconteurs.

En resumen, quién pago soló por ir el domingo obtuvo más que el que pagó por el sábado.

Lo chocante de la décima

FACEBOOK / CORONA CAPITAL

El Corona Capital cada año se afianza como el más mediático del país. Debido a su trayectoria sorprenden errores de primerizos como el control de audio. Un festival de este calibre no puede permitirse un escenario con problemas de sonido toda la tarde. Este fue el caso del Escenario Doritos que era prácticamente inaudible tras la carpa de sonido y cámaras (30 metros) y que llegó a su punto más insoportable al matar la presentación de The B-52s al mermar más las voces del grupo de power pop incluso más que el paso del tiempo.

El sonido se vuelve un asunto especialmente delicado si hablamos de otro de los aspectos más nefastos del festival: la zona exclusiva para abonos VIP frente a los escenarios.

Dos días antes del evento, Corona Capital anunció a través de sus redes que el frente al escenario Corona Light habría una zona exclusiva para aquellos que tenían el abono Citybanamex Plus a partir de las 6:00pm (horario que no se respetó por cierto).

Además de ir en contra de lo que significa ir a un festival donde una primera fila se gana a base de espera y paciencia, representó uno los episodios de clasismo más whitexican en lo que va del año. No podemos negar que muchos festivales venden buena parte de sus estradas a través de una imagen aspiracional a sus asistentes (sobre todo el Corona Capital) pero cae en el abuso relevar al asistente promedio con su entradas normales, mas no baratas (sobre todo con el podrido sistema de fases), a una experiencia sonora menor; es decir, no puedes condenar a todo aquel que no puede permitirse pagar una estrada VIP a estar a 40 metros del artista donde el audio de otros actos se mezcla (sobretodo por la gula de instalar un quinto escenario), mientras al frente tienes apenas a un puñado de odiosos influencers sentados en el piso y más interesados en hacer una transmisión en vivo que en ver al artista (la imagen es antiestética para el artista en escena incluso).

El Corona Capital cumplió en cuanto a magnitud, pero en lo que respecta a actualidad quedó a deber. Los organizadores deben considerar si su evento a futuro va a crecer en cuanto calidad: más ecológico, propuestas musicales más actuales (más rap, más mujeres, más actos nuevos, más “inalcanzables”) y más entretenido (no solo activaciones de marcas); o si solo va a crecer en cuanto a tamaño: tres días con diez escenarios, Julian Casablancas reducido a un Leo Larregui internacional y más espacio para más mamadores de Polanco y la Condesa.

TAMBIÉN TE PODRÍA INTERESAR: The Strokes se volvió el Guns N’ Roses millenial

8 tracks de: Festival Catrina 2019

A poco menos de un mes del festival poblano, les dejamos nuestras impresiones sobre un line-up que nos llegó en abonos como deuda de tienda departamental, pero que al final estuvo a la altura de la edición pasada con sus actos internacionales únicos, representación de la escena latina y alguna que otra curiosidad que al menos merece ser mencionada.

Por ello dedicamos, como ya es tradición, nuestras ideas rápidas, poco reflexivas y menos cautelosas, pero muy sinceras, previas al evento.

Cuida a tu novia de los pipopes que usan jerseys amarillos

Pipopes es el término despectivo que se le da un fresa altanero en la Ciudad de los Ángeles, Puebla; en España encuentra a su equivalente en el chico pijo, ese inmortalizado en Devuélveme a mí chica. Esta canción, como el resto del repertorio de Hombres G, es una muestra de amor y desamor mezclado con un amor ácido propio el pop rock español, mismo que podemos encontrar en Radio Futura, Los Zombies, Mecano, Los Punsettes y muchos otros.

Podríamos hacer un análisis del protagonista de esta historia y actitudes tóxicas frente al rompiemiento, ¿pero vale la pena defender al malnacido ese que maneja un Ford Fiesta? Mejor darle una licencia de corrección política a esta y al resto de la discografía de los madrileños.

¿De qué habla La Calle de las Sirenas?

La única razón válida que se me ocurre para escuchar a Kabah en 2019 sin ser la tía chavorruca de alguien es descubrir el enigma de su mayor éxito: La Calle de las Sirenas. Por supuesto no habla de híbridos pez-humano, no seamos sosos. 

La primera teoría sobre el significado de la canción, es que habla de una zona de prostitutas debido a líneas como: “Unas hadas (sexoservidoras) trabajando en un vestido azul. Parece que solo levantan la mirada cuando los duendes (clientes) pasan hacia el castillo al final de la calle (un burdel) es justo ahí­ donde hace más calor”.

La segunda, aun más loca, es que se refiere al calentamiento global de una manera tan sutil que dejaría pendejos a Al Gore y Greta Thunberg: Imagínate a las sirenas en la luna (aumento del nivel del mar)” y “Porque el fuego no lo calma ni el ventilador”.

Umberto Eco hablaba de la complejidad de la obra con base en la cantidad de significados posibles que esta podía generar, y pues quién diría de Kabah.

Mac DeMarco, rey de los honguitos

El artista santo patrono de las fuckgirls del mundo estrenó este año su sexto álbum de estudio, Herec Comes The Cowboy, un material que a pesar de ser menos notable que sus trabajos anteriores continua con la racha de buen lo-fi e indie pop que ha llenado la escena de copycats (Te hablo a ti niño Cuco, y a ti Boy Pablo).

El causante de infinidad de hermosos cortes de honguito se siente como una desición acertada en un año en que la música perdió al rey del lo-fi, Daniel Jonhston. No pierdas la oportunidad de bailar con your kind of morra al ritmo suave del canadiense.

Los Flaming Lips, yeah, yeah, yeah

Otros que llegan de estreno son los comandados por Wayne Coyne con su material King’s Mouth. Este disco como cada uno de los que lanzado la banda desde 1986 explora de maneras temerarias ritmos, instrumentos y formas de crear. Estas apuestas no son nuevas, no olvidemos que hace algunos años corrieron el riesgo de hangear con una desatada Miley Cyrus cuando el público solo la ubicaba por fantochadas al lado del despreciable Robin Thicke.

Tal vez ningún disco vaya a estar a la altura del hito de Yoshimi Battles the Pink Robots, pero la banda sabe consentir a sus seguidores y sabe el gusto de ellos por romperse al escuchar temas como Do You Realize??

Kimbra guapa, Kimbra diva, Kimbra grande

La guapa cantante neozelandesa vuelve a México tras su reciente participación en el Corona Capital GDL donde fue uno de los actos más asistidos de la tarde. Si te la perdiste en esa ocasión, puedes tener una revancha para escuchar el dulce art pop e indie que la han hecho una de las voces femeninas más apreciadas de la década que termina.

Si no la conoces, es la mujer que le hizo el favor de su vida a Goyte, pero vale destacar que ella tiene una discografía rica por derecho propio y la cual vale checar más que el material del one hit wonder que nos dio Somebody That I Used to Know.

Los Blenders, el futuro del rock mexa

Vienen de Coapa, Ciudad de México. Dos de sus vídeos se han vuelto memes de bajo perfil: Ha sido y ¡Ponte Punk! No tienen problemas para convocar público en espacios del centro del país como el Pepsi Center. Son una de las bandas de letras chiquitas del cartel del Catrina. Sin embargo, la carrera de estos chicos ha generado un sequito fiel de seguidores jóvenes que prefieren gastar su dinero en una presentación o vinilo de ellos que en Cuca, Zoé o La Lupita, bandas con las que ya no se sienten identificadas.

A pesar de que el pasado grupos como Kinky, Jumbo, Los Claxons y Hello Seahorse parecían ser la siguiente gran banda de la escena mexicana y al final se quedaron en llama de petate; otra vez podríamos emocionarnos con un nuevo grupo por exportar al mundo.

Tomasa del Real y sus reglas

La chilena, reina del neoperreo, llega con su reggaetón, trap y hip hop que no responde a los clichés de la escena urbana latina. No solo llega con un sonido poco convencional para el género sino con una lírica fuerte y cargada de mensajes fuertes, la mayoría de enfoque feminista. La música de del Real es una bocanada de aire fresco en una escena musical, en la que aun cuando se le da el beneficio de la duda, se aferra a aquello que le critican (el fantochismo y machismo del #SinReggaetonNoHayGrammy de hace unos meses atrás).

La propuesta de esta cantante, a pesar de no haberse concretado en un álbum de estudio en forma, la ha llevado a escenarios legendarios como Coachella.

Uruguayos que no descansan

Algo que siempre hay recalcar es lo injusto es que ha sido el público y los medios con el Cuarteto de Nos, ya que a pesar de manternerse activos en giras, en el estudio de grabación y en conferencias; de no tener escándalos; y de haber llegado a ser nominados al Grammy Latino por la calidad de su trabajo; estos nunca han despuntado y siempre que aparecen en un line-up lo hacen en plan del “hermano de en medio”.

Afortunadamente a ellos parece no importarles y este año Roberto Musso y compañía presentaron el disco Jueves con el mismo entusiasmo y calidad (sobre todo el aspecto lírico) que los han caracterizado toda su carrera.

ESPECIAL

TAMBIÉN TE PODRÍA INTERESAR: 8 Tracks de: Pa’l Norte 2020

Festival Adverso se suma a la lista de line ups tapatíos

Aunque pueda parecer que ya hay demasiados festivales en la ciudad: Coordenada, Corona Capital, Dreamfields, Roxy Fest, Rock x la Vida, Cosquín Rock, FCM y el Festival Sucede, entre otros; lo cierto es que tras un año tambaleante, el futuro de algunos de ellos está en el aire, y otros como el RMX 212 ni oportunidad de despedirse tuvieron.

                A esta cartelera se suma el próximo año el Festival Adverso, una propuesta que busca romper con los paradigmas de esta clase de eventos.

En primer lugar se presentan con un line-up respetable a precio razonable sin la mamarrachada del sistema de fases, el cual está conformado por: Metronomy, Motorama, Battles, Helado Negro, Blackwater Holylight, Light Asylum, Descartes a Kant, Mortemart, Leto V Gorode, The Polar Dream, Birdhaus y Lady K; los cuales se distribuirán en dos escenarios. Estos no solo son nombres respetables en la escena independiente, sino que dejan atrás clichés como la banda hispanoamericana de cajón para encabezar cualquier festival; las propuestas de fusión que replican modelos pop de artistas como Mon Laferte y Paté de Fua; y el gusto culposo de boda para enganchar vía “ironía”, es decir, Caballo Dorado, Banda Machos, Chico Che Chico etc.

ACK, organizadores del evento, no solo conocen al público tapatío al ser el principal organizador de shows, a nivel sala de conciertos, de la ciudad; sino que lo respetan al traerle grupos con los que este ha tenido afinidad.

Más que música

Destaca también el punto del entretenimiento alterno a la música, ya que el festival contará con espacios de gastronomía, bazares, skate, artistas del tatuaje, arte urbano y batallas de rap freestyle. Esto es una gran noticia si consideramos que los mayores festivales del país como atracciones complementarias lo único que ofrecen son activaciones ñoñas de marcas.

Aunque quedan por definir detalles como si habrá sistema cashless, transporte por parte del ayuntamiento y agua gratis, los organizadores han afirmado que estas decisiones se tomarán con base en si hacen la experiencia más cómoda para los asistentes.

ESPECIAL

La cita es el sábado 29 de febrero del próximo año en la Terraza Vallarta. Los boletos estarán disponibles para su preventa a partir del viernes 22 de noviembre en tiendas Soulflower, Addictive Studio, taquilla de C3 Stage y sistema de www.ticketnowmexico.com. El precio es de $1,200 hasta final de 2019.

LEER TAMBIÉN: Testament vuelve a Guadalajara

La cuarta edición del Festival Catrina está cada vez más cerca

Este 7 de diciembre tenemos una cita en el Parque Ecológico de puebla, lugar que dará vida a 40 proyectos musicales tanto nacionales como internacionales, complaciendo el gusto de los públicos más exigentes.

Con un cartel increíble y totalmente variado, esta edición del Festival Catrina nos ofrece un sin fin de sonidos encabezados por los legendarios Hombres G, quienes después de 8 años resurgen con su nuevo disco titulado Resurrección al igual que Panteón Rococó, quien tras 6 años de no estrenar material promete deleitarnos con su nuevo álbum “Infiernos”.

De lo más esperado en la escena internacional se encuentra Karol G, Mac DeMarco y Flaming Lips, que este año conmemoran los 20 años de su exitoso disco The Soft Bulletin. Así que podrán estar seguros que habrá grandes sorpresas que superaran sus expectativas por completo.

Por el lado pop, se encuentra Moderatto y Kabah quienes te harán revivir la magia y nostalgia de los 90’s en pleno 2019 y que por supuesto, te aseguramos que cantarás a todo pulmón. Los Tres, Enjambre, División Minúscula y Aterciopelados, también son de los favoritos de esta edición.

Todos ellos y muchos más son parte del cartel 2019 del Festival Indio Catrina, ¿te lo vas a perder?


Compra tus boletos en: https://www.eticket.mx/masinformacion.aspx?idevento=25076
y visita la página oficial del festival en: http://www.catrinafestival.mx/

¡El festival Catrina tiene todo lo que quieres y mucho más!

Jorge Drexler en un viaje íntimo

Utilizar el silencio como un medio de “Transporte” y hacer “Eco” de un par de decenas de canciones “Estalactitas”, convirtieron al Teatro Diana en una perfecta cueva sonora

El “Deseo” se cumplió y ver al uruguayo interpretar a “Guitarra y voz” desde sus primeras grabaciones como “La aparecida”; que fueran relatadas entre anécdotas íntimas, detalles familiares y explicaciones de cada uno de los viajes que palpa en sus composiciones, resultó algo totalmente diferente, tal es el caso de “Salvapantallas”, que se volvió un deleite introspectivo y melancólico llevando la velada por un buen camino.

Ampersan, quienes habían iniciado la noche, subieron de nueva cuenta al escenario para acompañar a Jorge con “El tiempo está después”, un himno del montevideano Fernando Cabrera y que a pesar de no haberse ensayado, derivó en una acertada improvisación. “Abracadabras” hizo que apareciera “Todo se transforma” y que el coro unísono del Diana rompiera el silencio con un volumen embelesado que culminó el segundo bloque de entregas con el globalizante rap de “Disneylandia”.

Era una noche de “Asilo”, todo asistente se había vuelto cómplice de lo que el cantautor guiaba en la amena exclamación de sus poesías. “La vida es más compleja de lo que perece” nos acompañó en la “Soledad” y la calma que “La edad del cielo” ofrecía y que se coreó perfectamente “A la sombra del Ceibal” como el músico indicó.

Tan delicioso es que Drexler hable de su relación con Sabina y aquellos momentos relatados  en “Pongamos que hablamos de Martínez”, que nos resistíamos a que la tertulia concluyera, pero “Sea” fue el primer aviso del cual el cantante hizo burla para hacerse regresar al tablado y regalarnos “Movimiento”, primer tema de su última placa discográfica Salvavidas de hielo.

El “Silencio” se hizo presente de una manera total, y Jorge regresaba tras bambalinas para lisonjearnos con “Telefonía”, y después de dar un breve discurso político, declamarnos “Me haces bien”, que completaba el pilón que puso fin a un recital verdaderamente gratificante.

Por Eduardo Roel.

Fotos: Roberto Mora.

Billie Eilish: el “Ok, boomer” a las convenciones del pop

Nota: Cada cita empleada en esta nota es una frase real escuchada por el autor.

“Es alguien a quien admiramos y creemos que está inspirando e innovando” dice Jack White antes presentar a Billie Eilish Pirate Baird O’Connell (es su nombre real) para grabar su álbum en vivo bajo el padrinazgo de Third Man Records, el sello discográfico del propio White y uno de los más respetados de la escena alternativa.

A la admiración del ex White Stripe por la joven de 17 años se suman la de artistas como: Elton John, Thom Yorke, Lana del Rey, Taylor Swift, Billie Joe Armstrong y Dave Grohl; la de la crítica especializada; y la de las generaciones Y y Z que se ven identificadas en la actitud y estilo de la cantante. Desde que consiguió su primer hit con Ocean Eyes, la artista pop alternativa no ha dejado de llamar la atención por una imagen dentro y fuera del escenario que contrasta con los lugares comunes de las estrellas pop jóvenes.

La chica rara con Tourette y pants

Cuando era joven, a Eilish se le diagnosticó síndrome de Tourette. Este desorden la volvió cohibida debido a las dificultades que provoca en la interacción social; por lo mismo, la tuvo que ser educada en casa. Bajo esas circunstancias, no tuvo más remedio que utilizar su tiempo en aprender canto, baile y a tocar múltiples instrumentos.

Tiempo después su hermano escribiría la ya mencionada Ocean Eyes, lanzada como un sencillo en 2016. A partir de este punto la cantante tendría una seguidilla de tres año de lanzamiento de sencillos y EPs sin que se concretara un disco en forma, aunque tuvieron el suficiente impacto para mantenerla vigente y generar expectativas de cara a su obra maestra.

When We All Fall Asleep, Where Do We Go? De 2019 no solo presentó una selección interesante de electro-pop con avant garde, sino que develó la nueva imagen de Eilish. Atrás quedó la niña que cantaba melodías rosas ad hoc con su imagen. La nueva Billie mostró una madurez creativa e ideológica poco común para una artista pop. En lugar de mostrar una sensualidad desbordada para dejar en claro que ya no era una niña (como pasó con las chicas Disney), tomó la imagen cringe de los artistas de trap que aunada a una actitud irreverente, presentó a la perfecta adolescente: rebelde, desinhibida, cautivadora para sus contemporáneos, detestable para las personas mayores.               

“Morra necesitada de atención”

Facebook / Billie Eilish

Contrastante con la buena recepción que ha recibido Eilish, está la opinión de sus detractores quienes la tachan fantoche, necesitada de atención y su música pobre. Está opinión no viene de un sector de la crítica, ni de un grupo de celebridades, y tampoco de los consumidores principales de contenido hoy en día (millenials y centenials); sino de público arriba de 45 años.

Aunque pueda haber excepciones a la regla, si uno se dirige con una persona de cuarenta y pico años, y trata de hacerle escuchar algo del material de la cantante puede que reciba comentarios como: “¿por qué se viste así?”, “Seguro es reggaetón”, “Soy el único que no sabe quién esta niña?”,“Ya no hay música que valga la pena” y cuanta frase cliché pueda esperar escuchar uno si le pone un disco de metal o rap a su abuelita. Al final de este ejercicio terminas sintiéndote como si hubieran confundido tu dibujo de una serpiente devorando un elefante con un sombrero.

Por supuesto la situación de Eilish no es distinta a la de la mayoría de artistas de menos de 35 (“Gretta Van Fleet solo le copia a Led Zeppelin”), a la de intérpretes mujeres (Revisen cuántos headliners femeninos  hay en los festivales en una época en la que las mejores propuestas son femeninas), o la de cualquiera que no interprete el rock, pop y rap con el que crecieron nuestros padres (“¿Qué es un Kendrink Lamar?”). Incluso si uno cae dentro de la gracia de este sector, la recompensa no es mejor, ¿recuerdan los fascinados que estaban los señores rockeros con The Warming? La banda de hermanas regias, de entre 12 y 15 años, que a mediados de los 2010 se volvió viral por tocar covers de Metallica y que motivo a cada chavorruco a decir: “El rock no ha muerto”, su música original no se compartió en FB con un soso “aún hay esperanza para la humanidad”.

A pesar de que no haya interés en este sector de edad por la música de Billie Eilish, si lo hay en otro aspecto de ella: su cuerpo y su sexualidad. La decisión de la cantante de mantener oculta su figura bajo capas de ropa holgada parece razonable al saber que en redes abundan los perfiles que cuentan los días para que ella alcance la mayoría de edad y sea “legal” (si necesitas una pausa para vomitar, aquí te espero).

Entonces las posibilidades que ofrece el público boomer y gen x para una chica de 17 años es ser una niña adorable que toca covers olvidables o una fantasía sexual inapropiada.

Contrataque

ESPECIAL

Bad Guy, la primera canción de su LP, fue el grito de guerra de la nueva etapa de Eilish. El videoclip que acompaña al tema comienza con la cantante diciendo incoherencias antes de aparecer ataviada con ropa holgada y empezar a bailar incómodamente. Una toma muestra a unos hombres gordos  de aproximadamente 50 años hacer un bailecito de papá (piensa en tu viejo en las bodas) de mala gana a ritmo de la canción. Otra toma muestra  a un grupo de jóvenes adultos en triciclo. El contenido semántico en esas imágenes es importante porque a través de ellas Billie hace una declaración de principios contra detractores y acosadores: “Si vamos a tener una conversación incomoda, no va a ser la que tú quieras”.

La ropa deportiva oculta la figura que anhelan ver los pervertidos que quieren verla “madurar”. Si esto no basta para matar el sex appeal, tal vez lo haga el movimiento desagradable de sus rodillas, su nariz sangrando,  su aparato dental o el baile de “niña fantoche”. Muerta la fantasía sexual, solo le queda a los señores “bailar” incómodamente la canción (algo que suele pasar entre hombres, si uno va a un antro, siempre puede encontrar al menos a sujeto heteronormado ad nauseam junto a la barra moviendo la cabeza al ritmo de un tema pop mientras sostiene su bebida, suele ser un acarreado de su novia o de sus amigas y preferiría estar en Chernóbil que ese lugar). Por otra parte, las imágenes de ella y otros jóvenes paseando en triciclo puede interpretarse como la imagen de infantilismo que tienen las generaciones mayores de millenials y centenials.

En un mundo en el que destacan las acciones de Greta Thunberg, Malala Yousafzai, Emma Watson, chicas con pañuelos verdes y diamantina, y otras voces jóvenes más, la propia Billie Eilish pelea desde la trinchera de la música con su discurso de aceptación personal y contra la cosificación de las personas. Ella sabe que hay una guerra por pelear contra quienes están más preocupados por si las películas de Netflix cuentan como cine y por cuánto gastamos en tostadas con aguacate, en lugar pensar en los problemas reales del mundo. Tal y como dice una de sus canciones: All the good girls go to hell ‘cause even God herself has enemies, jugar limpio no es una opción y antes de que el grito de guerra “Ok, boomer” hiciera su aparición, Eilish advirtió lo siguiente: “My turn to ignore you, don’t say I didn’t warn you”.

Presentaciones en México

  • 17 de noviembre, Corona Capital: Décimo Capítulo, Autódromo Hermanos Rodríguez, CDMX
  • 25 de mayo , Arena VFG, GDL
  • 27 de mayo, Palacio de los Deportes, CDMX

TAMBIÉN TE PODRÍA INTERESAR: Más allá de headliners: Corona Capital Capítulo 10

Más allá de headliners: Corona Capital Capítulo 10

La décima edición del máximo festival de música de otoño puso toda la carne sobre el asador para celebrar con su público. Su line-up muestra mucho músculo pop y brit rock sobre todo en los actos principales. Los diez nombres principales en el cartel ya son razón suficiente para justificar la compra del boleto: Weezer, The Raconteurs, Franz Ferdinand, Billie Eilish, The Strokes, Flume, Interpol, Keane, Chet Faker y Bloc Party (interpretando Silent Alarm completo). Una selección de artistas de estreno, miembros destacados de Billboard y favoritos del público mexicano.

A pesar de lo llamativo que resultan estos artistas, enfocarse solo en ellos es perderse de experiencias sonoras muy interesantes de la lista b. Pop, folk rock, dance, post punk, indie y artistas en su propio género son algunas de las cosas que pondrán a bailar y cantar al Autódromo Hermanos Rodríguez el 17 y 18 de Noviembre.

A continuación te presentamos una selección de artistas que podrían unirse a tu playlist si les das la oportunidad. 

Georgia

La nueva sensación del electro-pop ya se ha hecho de un nombre la largo alcance. La británica comenzó su carrera a cargo de las percusiones de de Kate Tempest y Kwes, y aunque su base es notable en las colaboraciones, su verdadero talento se reveló de verdad con su único disco: Georgia (2015).

Sin embargo, a pesar de que ese álbum debut dio muestras de las posibilidades de la artista en la escena dance, sería su EP lanzado este año, Started Out con el hit About Work The Dancefloor, el que la pondría como una de las artistas destacadas del 2019. Como nota especial podemos destacar sus remixes de Metronomy.

Si no tienes oportunidad de asistir este año al Corona Capital, descuida, Georgia también participará como telonera en el concierto que ofrecerán en conjunto Interpol y Franz Ferdinand.

Kurt Vile

La visita de War on Drungs el año pasado aunque satisfizo a los seguidores de la banda de culto, dejó entre el público la ganas de escuchar al hombre que junto con Adam Graduciel produjo uno de los mejores proyectos de indie folk de la década que agoniza.

Vile le ha dado una justificación a su carrera como solista a través del trabajo duro y constante que se ha traducido en ocho álbumes (incluyendo uno en conjunto con Courtney BarnettLotta Lice Sea-) en poco más de diez años.

Su último trabajo, Bottle It In ha sido bien recibido por la crítica y el público; además, sus sencillos: Loading Zones y Rolling With The Flow, recuperan la energía su más grande hit, Pretty Pimpin.

Noah Cyrus

Probablemente ya tengas esta presentación en tu agenda, aunque quizá lo hagas más por el morbo de ver a la hermana de Miley Cyrus (no es la otra chica que salía en Hannah Montana).

Aunque es un año prolífico para toda la familia Cyrus (nadie vio venir que el sujeto de  Achy Breaky Heart fuera a estar en la cima de los charts en 2019), la que ha pasado más desapercibida ha sido la que más méritos musicales ha hecho para volverse tendencia. Por supuesto debe ser difícil destacarse en un familia en la que tu papá es el mullet más famoso de los 90 y tu hermana mayor no se tira un pedo sin que Paper Magazine le dedique una nota completa.

Escuchen su presentación, ya sea por disfrutar del buen electro-pop que ofrece su álbum debut Good Cry, o para ver cómo se vería Billy Ray Cyrus si se hubiera gastado todas las ganancias de Achy Breaky Heart en skin care.

Phantogram

Trip Hop. No vale la pena ir a un festival pop que no te ofrezca la música más sensual de la Generación X. Este año ha tenido un segundo aire el género surgido entre clasemedieros londinenses y neoyorkinos. 

El grupo nos ha dejado abandonados desde hace tres años cuando lanzó su último disco y se ha dedicado únicamente a salir de gira; sin embargo, el año pasado el sencillo Someday / Saturday, cuyas ganancias se destinaron a la prevención del suicidio, volvió a poner al dueto de Sarah Barthel y Josh Carter en el mapa por unas semanas. 

When I’m Small e Don’t Move sonarán y créenos que son el complemento ideal para acompañar un rato de hedonismo a media tarde.

King Princess

Si hicieramos un lista de aspectos que debe poseer un artista para no volverse trascendental serían los siguientes: talento, una técnica depurada, amplio bagaje cultural, un mensaje relevante con su época y carisma. 

  Mikaela Mullaney Straus, mejor conocida como King Princess, es un cantautora y multiinstrumentalista que ha destacado por los mensaje de aceptación social, apoyo a las minorías, amor libre y empoderamiento femenino en su música. Este discurso llega a sus escuchas a través de una agradable mezcla de pop, R&B y funk derivada de la afición de Princess por artistas como Beyoncé, T. Rex, Nick Cave y Dolly Parton

Con solo un disco y varios sencillos desde su inicio en 2015, esta artista está mostrando el mismo éxito meteórico que en su momento tuvieron Sam Smith y Dua Lipa, ambos ex alumnos del Corona Capital y que en su momento fueron la revelación de una tarde de domingo para el público azteca.

TAMBIÉN TE PODRÍA INTERESAR: 8 Tracks de: Corona Capital 2019

Years & Years

La próxima década da muestras de que mostrará un gran afecto por el synth-pop y en general por los artista que mezclen una base de sonido retro con una actitud millenial y centennial  (que ya no son son minoría y se llevan muy bien entre ellas). Years & Years tiene un pase de década asegurado gracias a que su sonido se apega a esta descripción.

Este es uno de los puntos más tramposos de la lista, ya que sin duda todos hemos escuchado alguna vez los hits King, Desire y If You’re Over Me; aun así, es probable que estén esa categoría de “canciones que has escuchado pero no sabes como se llaman”; cuando en realidad entre Communion y Palo Santo, los dos álbumes del grupo londinense, tienen mucho más que ofrecer.

Son los Pet Shop Boys del nuevo siglo y eso es decir mucho.

Cat Power

Con Cat Power se presenta uno de los sonidos más melodiosos y con una de las líricas más dulces. Con un sonido sadcore (les juro que así se llama el género) e indie folk, Charlyn Marie “Chan” Marshall, es de esas artistas que cuando toman una canción de otro músico y hacen un cover se la apropian, tal es el caso de Johnny Cash, Chris Cornell, Fiona Apple y Kurt Cobain. Si no creen vuelvan a escuchar I Found A Reason en la versión original de Velvet Underground y la de ella; reconozcan cuál de las dos les enchinó más la piel.

Difícilmente un concierto de 50 minutos le hará justicia a una trayectoria de diez álbumes, pero mientras dure, dejen salir los sentimientos a flor de piel, no importa si están solos o acompañados.

Bad Suns

Este line-up es carente de músculo y riffs de guitarra más allá de sus headliners, eso puede desanimar al que necesita energía en el sonido para despertar o al que se anima a aventarse el festival en jornada maratónica desde que arranca hasta que el último decibel sale de las bocinas. 

Para quienes gusten algo con más ritmo y una buena batería haciendo ruido, a las 3:00 pm. Bad Suns son unos aficionados del post punk y del power pop que le rinden tributo de buena manera a sus ídolos. Además este año vienen de estreno con el disco Mystic Truth, en el que se ve que los californianos ya han agarrado confianza para tocar con más fuerza y a mayor velocidad.

The B-52s

Si tienes menos de 30 años hay muchas razones por las que puede que no hayas escuchado a The B-52s, pero todas podríamos englobarlas en la etiqueta de “Cosas ñoñas de los 90 que no envejecieron bien”. Pareciera poca cosa pero esa es la diferencia entre tener que soportar a un insufrible U2 aferrado a lanzar un disco cada dos años y el poderoso post punk de la banda de Georgia, Estados Unidos.

No te garantizamos nada, pero con el gran historial que tienen tras de sí The B-52s y éxitos como Rock Lobster, Private Idaho, Love Shack y Roam, es probable que pronto vuelvas a escuchar de ellos como parte del soundtrack Stranger Things, una película de superhéroes o cualquier producto que quiera lucrar con la nostalgia (que no deberíamos sentir los millenials por una época que ni siquiera vivimos). Por ello, ¿por qué no decir que viste en vivo a la banda que toca esa canción en la escena en que Will Byers moja la cama por culpa de monstruos interdimensionales?

Sharon Van Etten

El de este año es un cartel dominado por mujeres (al menos antes de las 8:00 pm) y eso parece adecuado en una época en la que las exponentes femeninas, sin nada que perder, están haciendo todas las apuestas sonoras y han repudiado los lugares comunes.

Sharon Van Etten es esa guitarrista de folk rock y rock alternativo que se siente tan ausente este año; sin embargo, la fuerza con que toca éxitos como Seventeen, The End Of The World y Serpents, y su voz que no teme desgañitarse a medio coro, son la mezcla perfecta para mantener el ánimo antes de los actos principales.Remind Me Tomorrow, su disco de este año, también merece su atención en un año en el que el mejor contenido musical viene de la escena indie y alternativa.

TAMBIÉN TE PODRÍA INTERESAR: 8 Tracks de: Pa’l Norte 2020

8 Tracks de: Pa’l Norte 2020

En las últimas semanas el Estado de Nuevo León ha dejado en claro que, para bien o para mal, no le importa el qué dirán (la mayoría para mal, en serio, ya relajense, por favor); con el anuncio de su festival insignia han dejado en claro esto.

Tras revelar su próximo line-up, el Tecate Pa´l Norte ha desencadena una serie de reacciones encontradas. A primera vista, luce como un evento que tiene de todo para todos: para ti, para tu compa hipster, para tu tía solterona, para tu tío rockero que escucha Rock en tu Idioma, para tu prima que quiere meter alcohol a escondidas a su graduación de secu, para tu enana con daddy issues que perrea reggaeton del viejito, para tu compa que publica memes de suicidio etc. A pesar de que al público general la selección de artistas de le pueda parecer chocante, lo cierto es que los organizadores han acertado a su público clave: norteños (¡duh!).

El Norte del país tiene una tradición sonora ecléctica, no solo con festivales como el Machaca y el Pa’l Norte, sino con sus propios exponentes musicales que no temen hacer mezcolanza de todo su bagaje cultural. Esta variedad sonora nos ha traído a artistas reconocidos como: Celso Piña, Kinky, Plastilina Mosh, Control Machete, Julieta Venegas y El Gran Silencio, solo por mencionar a algunos.

Por ello dedicamos, como ya es tradición, nuestras ideas rápidas, poco reflexivas y menos cautelosas, pero muy sinceras, previas al evento.

Perrea, huerco, perrea

Primero hablemos del elefante en la habitación: Daddy Yankee. Tratemos de abordar el tema sin prejuicios de señor panista, ni las apologías académicas que necesitan hacer los estudiantes de Ciencias Sociales para justificar que le gusta perrear los viernes. El reggeaton ha evolucionado y como cualquier rechazado, a fuerza de recibir ataques, se ha ganado la simpatía de varias personas. En cierta manera se desarrollado un acuerdo no verbal: “si el reggeaton es menos misógino, nosotros como escuchas seremos menos clasistas”, esto meramente social y nada tiene que ver con cuestiones de calidad.

Ya sea por ironía, por nostalgia (esta va a lugares oscuros, sino piensa en tu ex), o por verdadero gusto, es probable que el escenario donde se presente Daddy Yankee sea uno de los más abarrotados, y quizá más importante marque un antes y un después en el esquema de los festivales de música. Otro día se podrán discutir cuestiones como su berrinche egomaniaco sobre los Grammys Latinos o la pasión que sienten los reggaetoneros por los cliché, pero hoy por hoy el puertorriqueño es parte del Line-up.

Tame Impala llega crecidito como siempre

En los despliegues de artistas en cada cartel de cada festival, hay dos cosas invariables: nunca está Pearl Jam a pesar de que se “filtró” su participación, y si aparece el nombre de Tame Impala es con la fuente más grande. La razón para que la banda australiana se haya vuelto la exportación musical más importante de su país, es simplemente el trabajo constante y sonante de Kevin Parker y compañia.

La agrupación llegará de estreno a la Sultana del Norte, ya que además del lanzamiento del sencillo It Might Be Time, podemos esperar que ya esté listo su cuarto álbum de Estudio, The Slow Rush. Si es fiel al resto del trabajo de Tame Impala podemos esperar pop psicodélico con un lírica melancólica de ese que han vuelto a tantos de sus temas gusanos auditivos.

“El Potrillo” va a estar en tu festival de música rock sin tantita pena

El periodismo se debe a la verdad, por ello he de confesar que no sé nada de Alejandro Fernández que no sabría un mexa de casi 30 años que ha formado parte de la sociedad de manera más o menos regular y con sentido del oído funcional; partiendo de esto, enlistare las cosas que sé de “El Potrillo”:

  • Su papá es Vicente Fernández que es un chido y ranchero como los de antes, eso implica que él es carismático a más no poder pero también que dice barrabasadas como que los hígados tienen memoria gay. Básicamente es tu abuelito.
  • Alejandro también canta regional pero a veces le falta rancho al chavo y le da por el pop.
  • Interpretó a Zapata en una mala película mexicana que tengo que ver con monchis y una selección de amigos muy graciosos.
  • Si te lo encuentras pedo en el antro te puedes tomar una foto con él y no se agüita.
  • Su hijo Alex Fernández también canta ranchero y es la prueba de que los Fernández con cada generación se ven menos charros.

Ahora estimados prosigamos a hacer la exhaustiva búsqueda en Wikipedia juntos. Además de menciones especiales en Billboard y Vevo, Alejo tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, ha sido reconocido por su apoyo a la comunidad LGBT+ (guárdate tu chiste de señor) y Monterrey tendrá el placer de disfrutar de su presentación más relevante desde Viña del Mar, chingate esa, Pepe Aguilar.

The Strokes, las “viejitas pero bonitas” de nuestra generación

Los ingleses además de ser cabezas de serie en el Corona Capital 2019, vuelven pocos mesesdespués a suelo azteca para también comandar el evento regio. Julian Casablancas y no llegan de estreno a ninguno de los festivales, como ya sabemos, a la manera interpolera, les basta vivir de viejas glorias; sin embargo, la energía sin mermar y experiencia que han ganado con los años, los hacen un digno portador del título de headliner.

No esperes sorpresas, según Setlist.fm, la agrupación no se ha destacado en este tour por covers o invitaciones sorpresa al escenario. En cambio aquí el gancho es tu nostalgia y saber que no faltará ninguna de tus favoritas en la playlist, además ¿quién necesita un capricho creativo de Casablancas o Hammond Jr. cuando puede escuchar por millonésima vez You Only Live Once, Reptilia, The Last Night o Hard to Explain?

Iggy Azalea is still a little fancy

La reflexión de Celso Piña (q.e.pd.) sobre “Los caminos de la vida” no se ve más fuerte con ningún artista del cartel como con Iggy Azalea, si un día me hubieran dicho que la australiana iba a pisar el mismo escenario que El Tri de Alex Lora, lo habría tomado por un meme. Eso pudo pasar en 2014 cuando The New Classic salió a la venta y sonaba ad nauseam Fancy. En ese entonces la estrella hip hop parecía ad hoc con los MTV awards y Los Teen Choice Awards. Todo parecía apuntar que a futuro fuera ella y no Ariana Grande u otra diva la llegara a la cabeza de Coachella.

Cinco años después, un nuevo álbum de estudio, y de vuelta a Monterrey, se presenta a una artista más madura y que se toma menos en serio a sí misma o a los detractores (busquen su disfraz de White Chicks o su respuesta ingeniosa al pseudogangster mal agradecido de T.I.). Los números de In my Defense están lejos de la promesa de 2014 pero están más cerca del sueño de una chica nerda de secundaria que quería ser la versión femenina de Eminem.

Ed Maverick… ash, este huerco

En 2016 se viralizaba la música de un joven norteño que traía un sonido cantinero con influencias de blues a las generaciones millenial y Z. Este chico con cabello alborotado, camisa vaquera que parecía sacada de Napoleon Dynamite y una apariencia de chico de barrio ejidal, generó empatía entre congéneres que no habían tenido la suerte de contar con música desgarradora para el mal de amores como si tuvieron sus viejos. Después ocurrió el sismo de 2017 y este chamaco pendejo posteó un tweet y arruinó su carrera.

Por supuesto hablaba de Juan Cirerol, ¿no creerían que de Ed Maverick? Ambos artistas van de la mano, el primero hizo ver a los promotores y disqueras una oportunidad de negocio; el segundo apareció como un repuesto después de que Cirerol tirará su carrera por la borda. Maverick aunque abismalmente menos talentoso resultó menos polemista y políticamente incorrecto, algo que es una requisito hoy en día para vender a un artista. Aunque a futuro quizá evolucione musicalmente, lo más probable es que deje de ser el ñoño castroso que a huevo quiere tocar la guitarra en las fiestas y se desarrollé en clichés pop como: “vamos a experimentar con el género urbano y bla bla”. Lleva a tu prima o hermanita de prepa, si te piden el paro, o a tu sugar baby (es parte de tus responsabilidades, hombre); pero si puedes ahorratelo.

Calamaro y Babasónicos pa’ que no se caliente “la chaviza”

Seguro tu tío rockero que escucha rock rockero con su novia rockera y su camisa camisa negro-me-compraron-en-un-toquín-hace-veinte-años no está nada contento con este cartel tan colorido. La presencia rockera hispanoamericana de este año corre por cuenta de los argentinos de Andrés Calamaro y Babasónicos.

Ninguno está de estreno ni ha tenido relevancia este año pero la rotación de artistas en español marca que Café Tacvba, Zoé, Los Auténticos Decadentes, Cuca, Andrés Calamaro, Enrique Bunbury, El Gran Silencio y Babasónicos se turnen para los eventos nacionales. Después de un año prolífico para la mayoría de ellos es turno de los dos presentes en el line-up. Aunque parezca hate, no es así, es una preocupación genuina por qué sucederá cuando estos hombres ya no estén (como pensar en tus viejitos) porque no hay un relevo generacional a la vista y se siente feo.

También está El Tri que ahora se dedican a componer canciones basadas en hechos sociopolíticos como si fueran comunicados oficiales de Notimex.

El Boulevard de los sueños rotos

Si revisan con cuidado las letras pequeñas del cartel van a encontrar una selección de artistas con álbumes debut prometedores pero que ¿”se chingaron la rodilla”? y no se volvieron esos colosos de la cultura pop que esperábamos. Entre ellos destacan: MGMT, Foster The People, Kongos, Kinky, Enjambre, Hello Seahorse!, Insite, Disidente y otros.

Quizá repetir la formula de manera muy calcada o un guiño a cliches del pop, irónicamente, los alejaron de ese éxito que tienen los grupos con letras enormes en el mismo cartel. No hay falta de talento, de hecho algunos, como Kongos y Hello Seahorse!, presentaron material más maduro; sin embargo ninguno se volvio parte del soundtrack de años posteriores. En duras pero justas palabras de Marsellus Wallace en Pulp Fiction: ” You came close, but you never made it. And if you were gonna make it, you would have made it before now “.

El evento regio nos recuerda que los festivales son una fiesta, y como estas, solo tienen posibilidades de volverse memorables si se dejan atrás prejuicios y uno se entrega a la emoción que ofrece tanto una canción melancólica de Tame Impala, un jaleo de The Strokes, un perreo con reggaeton de los 2000, y carraspeo de cantina con música de los Fernández. La cita para festejar con los sombrerudos es el 20 y 21 de marzo de 2020 en el Parque Fundidora. Boletos en Ticketmaster.

TAMBIÉN TE PODRÍA INTERESAR: 8 Tracks de: Corona Capital 2019