Más allá de headliners: 10 Bandas destacadas del Tecate Coordenada 2019

Aunque es probable que tu entrada la hayas adquirido por artistas como Billy Idol, Vampire Weekend, The National o Café Tacvba, la quinta edición del Tecate Coordenada tiene mucho talento para deleitar al público que asistirá a la explanada del Estadio Akron. He aquí algunos nombres destacados para que saques el mayor provecho a tu abono.

Cherry Glazerr

Con un saldo de seis años de carrera y tres álbumes de estudio, se presenta a horas tempranas una de las promesas del garaje rock. Tan cerca como estamos de la nueva década, debemos estar conscientes que tras la noche vieja de 2020 por costumbre vendrá un recorte a los artistas que suenan hoy en día. Es difícil saber cuáles serán los caprichos sonoros de los 2020, pero entre las bandas que apuntan para salir bien libradas está Cherry Glazerr.

La agrupación liderada por Clementine Creevy tiene como respaldo haber trabajado con los productores de White Stripes y Paramore, una lírica que toca temas de actualidad como sexualidad, empoderamiento femenino y salud mental; ya presumen la etiqueta de Coachelleros; y quizá lo más importante, desde su aparición la serie de Amazon, Transparent, Creevy se ha vuelto un ícono del feminismo moderno.

Los Petit Fellas

La agrupación colombiana liderada por Nicolás Barragán, desde su formación en 2011, no ha dejado de trabajar duro. En una escena donde las productoras han forzado la incursión de los artistas colombianos en el urbano latino, Los Petit Fellas han hecho respetar su estilo único difícil de clasificar ya que contiene elementos de rock mezclado con jazz, funk soul y otros ritmos sobre bases de hip-hop.  

“Hay personas que hacen reggeatón espectacular como Tego Calderón, entonces nosotros no vamos a llegar a hacer lo mismo, vamos a hacer lo propio y luego nos vamos a preocupar por ponerle nombre”. Una declaración refrescante en una época de snobismo fácil.

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Jenny Lewis

Otrora vocalista de Rilo Kiley, una de las joyas ocultas del garaje rock de principios del siglo XXI; Jenny Lewis pico piedra para hacerse de un nombre propio tras dejar las cuidadas y melancólicas líricas de su grupo, en beneficio de una carrera solita que coquetea con el pop y el folk más alegres.

Los dos últimos discos de Lewis, The Voyager y On The Line, la afianzaron en el gusto de la crítica y el público, quienes han aplaudido la estética de diva country que maneja en escena y videoclips; una Dolly Parton para millenials y zellenials, se podría decir.

Tras pisar tierra azteca el año pasado en el Corona Capital CDMX, viene con más fuerza a la Perla Tapatía con el estreno del ya mencionado The Voyager.

Kakkmaddafakka

La sensación indie de Noruega, con un nombre que haría sentir orgulloso a Mr. Mxyzptlk, es otra de la imperdibles del Coordenada porque además de clásicos como Restless y Forever Alone, vienen con su más reciente material: Diplomacy.

Los nórdicos vendrán llenos de energía ya que dos de sus presentaciones más memorables ocurrieron en suelo mexicano;  en el Vive Latino XV y en Mansión Magnolia de Guadalajara, ambas en 2014. El público mexicano agradeció la apuesta por sus escenarios y en respuesta se ha vuelto el país donde más suenan Kakammd… esos vatos.

María Barracuda

Infravalorada como solista y como parte de JotDog, la oriunda de Cd. Juárez, ha hecho cosas impensable para una artista mexicana: no ha cedido al pop más soso que suena en Televisa, no se “ha renovado” con la imagen de chica rockabilly que habla de fusión genérica de sonidos, y se ha plantado como rockstar inteligente y versátil en lugar de ser la “florecita rockera”.

Ya que citamos la popular canción de Los Aterciopelados, el paso del tiempo hace cada vez más evidente el parecido entre Barracuda y Andrea Echeverrí, dos mujeres que no han cedido su peculiar estilo, que han enamorado por un carisma militante y que han sido reconocidas como mujeres notables en el rock latino, si dudan de esto, solo revisen las colaboración de María en Rock en tu Idioma Sinfónico Vol. II. La Barracuda ha abrazado de vuelta su alter ego y promete seguir con el impulso de este año para largo.

The Guadaloops

La tradición del rap mexicano estuvo dormida varios años en beneficio de MCs que se desarrollaron más como los españoles; sin embargo, varios exponentes en los años recientes han puesto de vuelta al género como parte destacada de los festivales de música.

La clave es un sonido bailable y una letra compleja pero que a la vez permite identificación en diversos escuchas. Esto es destacable, ya que si pensamos en el HIP-HOP global cada vez el género trata menos de la imagen gansteril y más de la identidad popular (Lo sentimos Babo, no nos des en la madre).

The Neighbourhood

Saca tu mejor oufit normcore, llama a tu fuckbuddie (¿tienes pareja? Termínala y lígate una fuckgirl o un fuckboy en el Coordenada)) y llévala a The NBHD para darle un señor faje.

La monocromática banda californiana vuelve a tierra azteca tras visitar el otoño pasado el Corona Capital. 2018 fue un año especialmente productivo para el conjunto de indie pop-rock que lanzó dos discos, dos EPs, varios sencillos y un videoclip con la leyenda viviente del cine… Tommy Wiseau (The Room), ¿les parece poco? Es probable que el mismo periodo de tiempo muchos de los seguidores de The NBHD no hayan superado a sus exs.

Yeasayer

Este proyecto formado en Brooklyn trae el ritmo a un line-up que pese a su nivel se antoja poco bailable (no solo de Caballo Dorado vive el Hombre). Ya algo creciditos con 13 años de carrera, han desputado recientemente debido a la nostalgia que hay de sonidos de los 80 como el New Wave y el Power Pop. Entre sus influencias mencionan a Siouxsie and the Banshees, Talk Talk y Dead Can Dance.

Su disco más reciente, lanzado este año,  Erotic Reruns, rompe con su psicodelia más inclinada a lo progresivo y en cambio suena más glam y, tal como indica su nombre, está cargada de un de un soul lleno de erotismo.

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The Drums

Un apresurado relevo tras la inesperada cancelación de The Kooks por problemas de salud de su vocalista. Su reciente inclusión en el line-up es la principal razón para agregarlos a esta lista, ya que entre los mencionados, los neoyorkinos son los que cuentan con mayor éxito comercial y crítico.

Lo lamentable es que quizá no haya una revisión apropiada a su discografía debido a cuestiones de tiempo, sobretodo porque este año estrenaron Brutalism. La buena noticia es que este último álbum es el mejor de la banda y que da señal de cómo han perfeccionado su sonido surf rock.

Caballo Dorado

No sean payasos de rodeo, cómo creen.

Francisco el Hombre

Un ensamble de mexico-brasileños es de las propuestas con más identidad latina. Su música que mezcla folk sudamericano o gaucho y rock, tiene una lírica en portuñol que da testimonio del encuentro cultural.

La dualidad de la banda es marcada en su disco de 2019, Rasgacabeza, que tiene momentos de post punk rápidos y el ya mencionado folclor campero. En gustos se rompen géneros pero los segundos son mejor logrados.  

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Los Petit Fellas, verdaderos melómanos

La melomanía no va de la mano de la música, la melomanía no va de la mano de los escuchas, la melomanía muchas veces no va de la mano de los músicos; todo eso es un mito que se dice para que cualquiera pueda hacerse el interesante, de la misma manera que escribir a uno no lo vuelve lector, ni asistir a las salas de cine cinéfilo. Artistas verdaderamente melómanos en la escena son pocos, aquellos que ven interconexión y posibilidades en todos los géneros musicales, que sin empacho admiten escuchar ritmos estigmatizados, y a la vez son críticos de lo que suena.

Dentro de esa clase de artistas esta la agrupación colombiana Los Petit Fellas, proyecto en un principio solista de Nicolás Barragán formado en 2006 con el nombre Pet Fella y que usaría el plural a partir de que se nutriera del sonido de Sebastian Panesso  (Guitarrista), Adrián Hidalgo (Saxofonista), Nicolás Garzón (Bajista), Andrés Gómez (Teclista) y Cesar Henao  (Baterista). El grupo toma como base beats de hip-hop y sobre ellos hace su fusión única de funk, soul, rock y jazz. Desde su formación, cuentan ya con cuatro discos de estudio y uno live.

Hace unas semanas tuve la oportunidad de hablar por teléfono con Nicolás que en ese momento se encontraba grabando en Los Ángeles. Nicolás que es un sujeto de ideas claras y directas, hizo fluir una entrevista que por errores míos pudo salir tan parca como un pedido de pizza.  Mi excusa es una investigación documental pobre (no así la sonora que fue una semana de tener un buen playlist sonando todo el tiempo). Al revisar artículos de prensa sobre el grupo me encontré con varias descripciones más cercanas a J Balvin y Maluma (de quienes hablamos de paso) que Los Petit Fellas.

“Pues no, la verdad no nos definimos como urbano” Esa fue la respuesta funesta a mi primera pregunta. Antes de continuar este artículo, les enlistaré tres situaciones comunicativas que me tensan como corredor de la muerte: 1) Charla de cena navideña 2) Explicarle a mi jefe por qué llegué media hora tarde 3) Entrevistas telefónicas. No obstante, en lugar de recurrir a un silencio incomodo, Nicolás expande su punto y arregla mi metida de pata: “Mezclamos muchas cosas, funk, soul, jazz, un poco rock, no le damos una etiqueta, si lo consideramos dentro de un género, pues es alternativo, nos gusta mucha música diversa y cada uno aporta lo que escucha (sic)”.

Sobre la cuestión de los artistas urbanos discutimos un poco más y sorprendentemente Nicolás no tiene empacho en hablar de manera sincera al respecto: “me gusta el rock, me gustan los ritmos latinos, y también me gusta bailar un reggaetón, ¿por qué no hago reggeatón como todos allá (Colombia)? Muy sencillo, ya todos lo hacen y algunos lo hacen de manera excepcional, no voy a meterme a ese asunto, cuando hay personas como Tego Calderón que lo hacen increíble”.

Ya inmersos en la cuestión de la representación latina en la escena musical, el cantante agregó lo siguiente: “Que suene música latina de cualquier tipo es bueno para los músicos de la región en general, porque así descubres música nueva, te agarras a un artista de urbano y te preguntas que otra música hay en ese país y a lo mejor encuentras otro sujeto que te llama aunque interprete otro tipo de música”.

De la misma manera con que reconoce gustos musicales ajenos a su sonido, Nicolás es crítico de actitudes a su manera de trabajar, tal y como me demostró cuando entre la parte de la sobremesa de la llamada telefónica hablamos del escándalo del #SinReggaetónNoHayGrammy. “Esto no se trata de géneros musicales, no se trata de reggaetón o cualquier otra cosa, esto va de que no están hablando de ellos (J Balvin –compatriota de Nicolás-, Bad Bunny y Daddy Yankee)”. Cierra su comentario con una afirmación que podría funcionar como mandamiento para cualquier músico: “Si te pones a hacer y decir esas tonterías, no estás trabajando; sí estás dedicado a tu música y a tocar y escribir no te queda tiempo para eso, que para mí, es un berrinche”.

Los Petit Fellas se presentarán el próximo viernes 18 de octubre en el marco del Festival Tecate Coordenada en el Estadio Akron. Los boletos se encuentran disponibles en el sistema de Ticketmaster.

Novedades Tecate Coordenada: horarios y The Drums

A menos de un mes del principal festival de otoño de Guadalajara, tal y como prometieron los organizadores en la pasada rueda de prensa, ya tenemos los horarios oficiales de los escenarios.

Tanto el viernes como el sábado lucen una buena distribución de los actos y evitan que los principales exponentes del evento como artistas de renombre e internacionales choquen entre sí. Tal y como se comentó hace unas semanas, la idea es que dos de los cuatro escenarios musicales estén en activo al mismo tiempo.

He aquí los horarios:

🥁🥁 ¡Tenemos horarios, #TecateCoordenada! Toma nota, arma tu itinerario y disfruta al máximo del gran festival de Guadalajara. ¡Así se vivirá el viernes 18 de octubre! 😃😘

Posted by Tecate Coordenada on Tuesday, September 24, 2019

🥁🥁 ¡Tenemos horarios, #TecateCoordenada! Ya pueden reunirse para armar sus itinerarios y planear la fiesta. ¡Así estará el sábado 19 de octubre! 😃😘

Posted by Tecate Coordenada on Tuesday, September 24, 2019

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The Drums entra de relevo

FACEBOOK / @wearethedrums

Tras anunciarse la semana pasada que The Kooks era baja debido a problemas de salud de Luke Pritchard, la organización del festival trae un sustituto a la altura del atractivo de los británicos.

The Drums vuelve a tierra azteca ya posicionadas como una de las mejores bandas de la escena alternativa. La banda estadounidense, con cinco álbumes de estudio en su haber, llega con su material más reciente: Brutalism, que preserva la tradición del grupo de mezclar la emoción del surf rock con su estilo rock normcore.

Estas noticias se suman a otros puntos destacables como el servicio de transporte Ticket2Ride, el cual pondrá a disposición de los asistentes autobuses que saldrán de Plaza Patria, Plaza del Sol, Gran Plaza y Palomar; El mapa del evento también disponible; el sistema de pago cashless y el lanzamiento de la aplicación oficial del evento para iOS y Android.

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Daniel Johnston y su fanzine sonoro

Si hicieran una lista de 1000 items, clichés, iconos, símbolos y personajes de la cultura indie, sin mayor problema podrían relacionar la mitad de ellos a la figura de Daniel Johnston. El cantautor y productor norteamericano, recientemente fallecido; no solo creó una discografía bella por derecho propio, sino que su estilo y personalidad generarían alrededor de él un culto. Para muchos es un santo debido a su pasión por crear y expresarse más allá de medios de producción y recepción. Para otros, fue un demonio con una figura problemática y conductas que, de manera errónea, se han relacionado como inherentes al arquetipo del artista.

Para acercarse al hito de Daniel Johnston y su obra hay que hacerlo con precaución, la necesaria solo para consumir su música y arte gráfico, que finalmente es lo que sí le debe la cultura pop. La imagen de fuckboy y/o fuckgirl, el nihilismo barato, la explotación del meme hasta que pierde la gracia y el normcore quemando hasta rayar en la fodonguez son elementos propios de Johnston que lamentablemente se confundieron como parte de su genialidad. Es difícil saber si el cantautor se trató de un Werther tardío o un Bojack Horseman prematuro, lo cierto es que, como estos personajes ficticios fue erróneamente imitado en su estilo de vida poco sano, cuando solo debía ser atendido por su mensaje.

            Un joven Johnston, inspirado por los Beatles, los comics, superhéroes y el pop, empezaría a componer a mediados de los 70. Muchas de esas grabaciones se harían en un equipo casero barato y simplemente las entregaría a amigos y conocidos, tal y como si fueran fanzines. Estas cintas tendrían por único arte de portada viñetas escuetas pero con temas sociales y filosóficos hechas por el propio Johnston. En ese tiempo también surgirían aspectos oscuros de la vida del músico como su fijación con la religión, el tratamiento tóxico de un amor no correspondido y caprichos ridículos en torno a marcas que pasarían más una travesura que por un simbolismo, como su obsesión por el Mountain Dew.

              Las cintas grabadas en formatos de baja calidad no solo lo volverían uno de los padres de la corriente Lo-Fi, sino que también darían fuertes indicios de su personalidad errática y desapego a las aspiraciones opulencia o lujo.

El disco más celebre de Johnston. ESPECIAL

            Johnston poco a poco se haría de un nombre en la escena de Austin, Texas, para suerte suya, una de las mecas de la música independiente de Estados Unidos. Una invitación para participar en South by Southwest en 1990 lo saca de casa de sus padres y le da proyección internacional. Sus principales cintas: Hi, How are you, Don’t be scared, It’s Spooky y More Songs of Pain, atraerían la atención de músicos de post punk que iban de salida, de grunge en su apogeo y de indie rock que apenas comenzaban a trabajar en sus demos.

            Uno de los momentos cúspide de su reconocimiento fue cuando Kurt Cobain empezó a salir a escena con la icónica imagen de la portada de Hi, How Are You. Al reconocimiento del líder de Nirvana se sumarían el de David Bowie, Sonic Youth, Eddie Vedder, Beck, The Flaming Lips, Bright Eyes, Matt Groening y TV on The Radio, entre otros.

            A pesar del gran éxito que tiene entre el público y la crítica; su personalidad, salud mental frágil y obsesiones se conjugan para evitar que Daniel Johnston dé el salto al siguiente nivel. Infamemente celebre es el episodio en el que evita firmar en el mismo sello discográfico que Metallica, Elektra Records, debido a su fanatismo religioso in extremis que no solo lo lleva acusar a la banda de ser servidores de Satán, sino de intentar matarlo. Un documental de 2005 llamado The Devil and Daniel Johnston, exploraría esta fijación con la espiritualidad y el diablo como la expresión del transtorno bipolar que padecia el cantautor. Este filme sería galardonado en el Festival de Cine de Sundance con el Premio a Dirección Documental.

A partir de ese despegue en los 90, la figura y sonido de Daniel Johnston resurgiría con cada alternancia entre el pop suntuoso y la música alternativa. Con la decadencia del  grunge en los 2000 en beneficio del pop adolescente y el nu metal lleno de mamarrachadas, el sonido Lo-Fi tendría que dormitar hasta un nuevo llamado a la acción. El normcore y corrientes efímeras como el vaporwave y el sythwave traerían de vuelta el interés por el Lo-Fi y por Johnston. Este interés renovado daría como resultado tres discos más incluyendo una grabación en vivo en la Rochester Opera Houseen 2013.

A pesar del gran valor de las grabaciones de Johnston y su innegable influencia en la música y las artes gráficas, los replanteamientos sobre salud mental y figuras malditas en el arte y cultura pop, prácticamente silencian el último lustro de vida del cantautor a excepción de una modesta gira de retiro y una película biográfica producida por Lana del Rey y Mac Miller, Hi How Are You, Daniel Johnston. La muerte del rapero como consecuencia de su depresión no ayudarían a quitar el estigma sobre la figura de Johnston y su influencia.

En septiembre de 2019, moriría por problemas cardiacos. Paso sus últimos años en una casa anexa a la de sus padres. Su obra se ha disparado en reproducciones en plataformas de streaming. Tras darse a conocer su muerte, personalidades como Judd Apatow, Elija Wood, Beck y The Frames han expresado su pesar y reconocimiento.

Un hito de la música independiente, aclamado por su sonido hasta el punto de volverse una figura de culto. El chico que nunca salió de casa de sus padres se decayó en la figura del genio trastornado. La figura noventera con menor expectativa de vida alcanzó los 58 años, murió de causas naturales y para bien o para mal su vida es la historia de un artista.

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Por primera vez solos, Enjambre en el Teatro Diana

Se aproxima una noche de relámpagos para la abejera tapatía

La banda fundada originalmente en Santa Ana, California, y que después se alojaría en la Ciudad de México, llega a su mayoría de edad. 18 años desde que la colmena de Zacatecas se instaló en el jardín del rock latinoamericano, y que permanece en los oídos de miles de abejas que dirigen su fidelidad hacia el mismo lugar.

Luis Humberto Navejas, Rafael Navejas, Julián Navejas, Ángel Sánchez, y Javier Mejía, han sabido mantener este hervidero lleno de emociones melancólicas que caracterizan su sonido, demostrando una solidez que pocas agrupaciones pueden presumir.

El Auditorio Nacional, el Palacio de Los Deportes y el Teatro Metropólitan, son algunos de los numerosos escenarios en los que han dejado huella. Festivales en todo México, y nombrados como headliners; así como presentaciones en España, Estados Unidos y Sudamérica, resaltan a los zacatecanos como un referente de la música hispana.

Seis álbumes de estudio, un EP, dos directos y múltiples sencillos, han hecho que Enjambre esté posicionada como una de las bandas más representativas de Latinoamérica, y que para muchos represente el mejor exponente de rock mexicano en lo que va del siglo.

Por nombrar más de una veintena de temas que se han convertido en “populares” y que han realzado el éxito de los de Fresnillo, destacan: “Atentado”, “Manía cardiaca”, “Ausencia de cocina”, “Último tema”, “Impacto”, “Dulce soledad, “Visita”, “Cobarde”, “Madrugada”, “Enemigo”, “Intruso”, “Somos ajenos”, “Elemento”, “Cámara de faltas”, “Viceversa”, “Tulipanes”, “Rosa náutica (Del piso)”, “En tu día”, “Tercer tipo”, “Vida en el espejo”, y por último sencillo, “Y la esperanza”.

Esta gira remata al Imperfecto extraño, la última placa discográfica que dio luz en el 2017 y que avecina la llegada de su séptimo hijo, del cual ya presumen los nombres de “Relámpago” y “Secuaz”.

La cita es el próximo sábado 28 de septiembre en el Teatro Diana, los boletos se pueden encontrar por sistema Ticketmaster y en las taquillas del recinto, los precios oscilan entre los $300 y $800.

Por Eduardo Roel.

Coordenada 2019: ecológico, en crecimiento y variado

A cinco años de su debut en la ciudad y altibajos, el Festival Tecate Coordenada, se ha afianzado no solo como un referente en el entretenimiento para los tapatíos, sino como ejemplo organización y resolución de obstáculos.

En rueda de prensa, Fernando Favela, Jordi Puig y Carlos de la Torre , organizadores del evento, dieron a conocer los pormenores de la fiesta de que congregará a 45 artistas y a 40 mil espectadores el 18 y 19 de octubre.

Su edición 2019, no solo superó la problemática de conseguir una nueva sede, sino que OCESA, consciente de que la explanada del Estadio Akron es el escenario ideal para llevar a cabo los dos macroproyectos anuales que ha trabajado en nuestra metrópoli (Corona Capital GDL y Tecate Coordenada), ha invertido para evitar pesadillas de logística y volver la asistencia a estos eventos una experiencia más cómoda para el público.

Primero para evitar las tormentas de polvo de la periferia, han recubierto el terreno con césped y de ser necesario se implementará alfombrado. La explanada del Estadio de las Chivas albergará por primera vez cuatro escenarios. La idea es que dos de estos escenarios estén activos al mismo tiempo sin que choque el sonido entre uno y otro. Adicionalmente habrá un escenario pequeño para comediantes de stand up llamado Casa Comedy. Por primera vez desde que se amplió el festival a dos días la logística cambia para hacer el evento lo más similar posible a su hermano mayor, el Vive Latino.

Distribución de los escenarios pensada para evitar el choque de sonidos. CORTESÍA

Otro de los puntos destacables es el servicio de transporte Ticket2Ride, el cual pondrá a disposición de los asistentes autobuses que saldrán de Plaza Patria, Plaza del Sol, Gran Plaza y Palomar, el costo de ida y vuelta es de 320 pesos por ambos días. Las salidas están programadas a las 13:30 horas y los retornos al terminar el evento. Evita las pesadillas de movilidad que representan los eventos en el Akron y considera esta opción o compartir el automóvil. Este detalle es muy importante ya que, en palabras de los organizadores, se busca que el evento genere el menor impacto ambiental posible a través de la gestión de transporte y reciclaje de deshechos.

“Lo más importante es organizarlo bien para 40 mil personas antes que pensar en crecer más”. FOTOS: Roberto César Mora.

Sobre otros aspectos técnicos no hay mayor novedad. Habrá cerca de 40 food trucks, más puestos de mercancía oficial, puntos de venta de bebidas y el mercadito de Kichink. Nuevamente será un evento cashless; podrás cargar saldo por internet o el mismo día del evento.

Los horarios se publicarán la última semana de septiembre. Puedes consultar el line-up por día, el mapa, patrocinadores, comediantes y más información a través del sitio web oficial del Tecate Coordenada o través de su app ya disponible para iOS y Android.

No te pierdas la fiesta musical más diversa de Guadalajara los próximos 18 y 19 de octubre en la explanada del Estadio Akron.

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The Cure en México por fin es un hecho

Por meses se rumoreó el retorno de las leyendas del rock gótico a nuestro país. Al principio, ilusamente se manejó la posibilidad de que encabezaran un festival (algo que ni muertos harían los promotores mexicanos). Sin embargo, la llama de la esperanza ardió con intensidad cuando se filtró el cartel oficial del evento hace casi un mes. Con la rapidez y furor que se esparció el rumor, también lo hizo el pesimismo y la desilusión cuando no llegó un pronunciamiento oficial.

No obstante la banda confirmó hoy una única fecha en nuestro país en el no tan lejano 8 de octubre en el Foro Sol de la Ciudad de México. Debido a los tiempos y a lo tardío del anuncio, sería ilógico pensar en nuevas fechas para otras ciudades e incluso para la CDMX. Más vale pájaro en mano…

2019 no solo es un año de gran actividad para The Cure, sino uno muy festivo, además de volver en categoría de Hall of famers, celebran cuatro décadas de actividad y los 30 años del lanzamiento del tesoro musical llamado: Disintegration. Este año será costoso pero gratificante para sus fans: boxsets, vinilos conmemorativos, libros, estreno en cines de su show en Hyde Park, conciertos especiales entre los que destaca el Pasadena Daydream donde compartirán escenario con Pixies y Deftones entre otros artistas.

Por lo pronto México será parte de esa fiesta en el Foro Sol, en donde podrá corear los himnos ochenteros que nos mostraron la cara más dulce de la tristeza.

ESPECIAL

La preventa arranca el 28 de agosto para usuarios de Citibanamex y el 30 para el público en General. Más información a través del sitio de Ticketmaster.

Celso Piña: folclor en el pop sin pedir permiso

Hoy en día encontrarse con un consumidor de música monogenérico no solo es algo raro, sino chocante. No solo los exponentes son influenciados por artistas dispares a su escena y colaboran con estos, también se abren los espacios reservados a un tipo específico de música a personajes ajenos en sonido pero similares en actitud y proyección, la oferta musical es más diversa que nunca.

En los 80, México estaba lejos de esa apertura musical. Los estereotipos y prejuicios castigaban a cualquier género que no fuera el pop cursi y acapulqueño de la época. Imaginar que un señor bigotón de Monterrey pudiera tocar el acordeón junto al mirrey Luis Miguel o al Timbirichi en turno era a lo mucho una broma para un sketch. Más difícil de imaginar eso, era la posibilidad de que un acordeonista que tocaba música para cholos regios fuera reconocido en vida como hito cultural, y que en la muerte fuera llorado por melómanos del pop, la cumbia, el norteño, el rock, el rap, el hip-hop, el ska y el ballenato.

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

“Rebelde del acordeón”, fue el nombre que se le dió a ese músico de una zona favelera de Monterrey. En el Cerro de la Campana de la Sultana del Norte, unos chicos descubrieron por accidente el sonido que volvió internacional al acordeonista. Grupos de jóvenes de la popular colonia Independencia organizaban fiestas callejeras, donde además reproducir sonidos de su herencia norteña, tenían influencia de la cultura chicana de finales del siglo XX así como de ritmos colombianos como la cumbia y el ballenato. En una de estas fiestas una cinta reproducida por error a menos revoluciones de las necesarias, dio origen a una cumbia más lenta que gusto a los asistentes y se volvió característica de ese tipo de fiestas. Esta música recibió el nombre de “cumbia rebajada” o “cumbia cholombiana”.


Más difícil imaginar, era la posibilidad de que un acordeonista que tocaba música para cholos regios fuera reconocido en vida como hito cultural.

Con un ritmo tan rico en influencias culturales y tan conectado con el pueblo parecería que las posibilidades serían ilimitadas; sin embargo, ese rebelde hacía con su acordeón cosas muy distintas a las de otras leyenda del instrumento quimera como Ramón Ayala, es decir, su ritmo era muy chocante para los estándares de la música regional tradicional. El norteño no lo consagró y la cumbia era muy marginal por ese entonces como para ser apreciada. Por otra parte, el pop y rock, pasaban por buenos momentos pero los acercamientos al folclor y a lo popular estaban aún lejos de suceder. 

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

Control Machete y El Gran Silencio, como principales exponentes de la avanzada musical regia de finales de siglo, capitalizaron al “Cacique de la Campana”. De esta apuesta no solo saldrían los dos himnos más importante del músico regio, sino la punta de lanza algo más nacional y trascendente que la cumbia cholombiana: el sonidero.

 “Cumbia Poder” y “Cumbia sobre el río”, estas dos canciones además de mostrar el talento musical del habitante del Cerro de la Campana en otras escenas, llevaron la subcultura de los bailes de cumbia rebajada a otras metrópolis del país; ahí se volvió parte de la identidad de las clases populares de México; luego de la cultura del mexicano regular, presente en bodas, quinceañeras, graduaciones y la juergas de fin de semana entre oficinistas. 

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

Con el gusto por la música del “Rebelde del Acordeón”, (para este entonces ya relacionado con Café Tacvba, Resorte y otros artistas reconocidos a nivel internacional) vino el interés por las cumbias, las caguamas, los grupos que cerraban calles en las colonias populares, las luchas, el pulque y todo ícono tropical que encajara en la diversión de ese carismático señor bigotón.

Actualmente, es normal ver algún grupo norteño o de cumbia colado en los line-ups de festivales de rock y pop, no solo como un gancho para personas de distintos estratos socioeconómicos, sino como posible prospecto a generar un éxito tan grande como el de Los Ángeles Azules, ahora abrazados por las divas del pop en español, orquestas filarmónicas, Coachella, festivales wannabes de Coachella y el país en general. Mi Banda El Mexicano, Los Tucanes de TijuanaBanda Machos han sido algunos de los beneficiados por este fenómeno. Aunque la tendencia va a la baja y parece que para la próxima década los artistas “eclécticos” vendrán desde el reggaetón y trap (pero solo los que entiendan que la corrección política es moneda de cambio y que a cambio de poner un alto al clasismo, se les pide reducir su misoginia). 

Celso Piña en C3 Stage en 2018. FOTO: Roberto Mora

Independientemente de la relación que vayan a llevar en los próximos años, el pop, tan mainstream, tan fresa, tan internacional; con el folclor, tan alternativo, tan barrio, tan regional; los acercamientos que han dado paso la situación actual de la música latina, se los deben a Celso Piña, que nunca pidió permiso para tocar su acordeón en donde quisiera y con quien quisiera.

R(IP)MX: “News Killed the Radio Star”

Hace unas semanas, en el ciclo de conferencias dentro del marco de FIMPRO 2019, Gonzalo Oliveros recordaba con nostalgia y cierto cinismo cada proyecto radiofónico en el que ha estado en su conferencia titulada “¿Cuando muere un proyecto de comunicación?”.

La conferencia, si bien tenía título de taller de ángel de la muerte para ejecutar eutanasias, era la retrospectiva de un viejo lobo de mar que ha visto la misma escena repetirse una y otra vez. Oliveros que participó en señales de radio ahora míticas como Rock 101 y W Radical, entre otras, vio terminados estos proyectos porque los de hombres de traje y corbata decidieron que solo son rentables en el medio las señales de noticias y música grupera.

Como si en esa conferencia se hubiera posado un ave de mal agüero, ayer se anunció el fin de la señal de RMX. Grupo Imagen, dueños de la marca, llegaron a un acuerdo con El Heraldo de México para que estos se hicieran de las señales que todavía transmiten rock y música alternativa en Guadalajara y Ciudad de México.

En un comunicado, Imagen (la tercera fuerza en la guerra de la televisión abierta basura) aseguró que se respetarán los derechos laborales y antigüedad de los involucrados en el proyecto. Una paráfrasis, si me lo permiten, es: “Vamos a pagar lo que se tenga pagar para evitar demandas, quien le sirva a la estación de noticias se queda, el resto a tomar por culo”. Será así, el personal técnico que hace funcionar esa maquinaria ha pasado por transiciones así antes. El propio Oliveros encontrará la manera de volver con un concepto similar, lo ha hecho otras veces. Algunos se adaptarán a ser un comunicólogo mexicano más que está medio informado de las noticias, hace chistes de lugar común, y no tiene problema con dejar su “música bien rara” en su Spotify.  Algunos más (la mayoría) deben estar pasando por una crisis profesional y creer que le rezaron al santo equivocado ante la expectativa del desempleo.

También muere el gigante del pueblo

Con este trato también desaparecerá el Festival RMX 212 que en Otoño celebrará su edición final. Si en este punto no le ha importado el futuro de las personas que se van quedar sin empleo, la escena musical del país o la calidad de contenidos en medios; tal vez le mueva perder el evento gratuito más importante y de mayor calidad del país.

Guadalajara tiene eventos que son parte de su identidad tan fuerte que es difícil imaginarla sin ellos: La FIL, el FICG, Fiestas de Octubre, el Clásico Tapatío de fútbol, la Romería etc. Ahora deberá extrañar a su evento musical más importante.


“Las personas que no pueden comprarse una entrada con cargos en Ticketmaster no solo merecen muestras amateur de mariachi, jazz, y versiones más baratas de Paté de Fuá”.

El 212 no solo es parte de la cultura tapatía, sino una poderosa declaración de principios. En su última edición reunió a 100 mil personas, el doble que la última edición del Corona Capital GDL, 20 mil más que el Vive Latino 2018 y 500 veces más que los lamentables shows promedio del Festival Cultural de Mayo (FCM). Este festival se volvió un disidente en una cartelera dividida entre eventos masivos con precios estratosféricos y festivales culturales financiados por el gobierno con más gasto en publicidad que en el show en sí. Kiko Amat, un referente del periodismo musical, dice en una columna para el periódico La Vanguardia lo siguiente: “Miren ustedes qué excentricidad maoísta la mía, creo que los ayuntamientos están obligados a invertir en oferta cultural sin buscar réditos”.

Algún abogado del diablo seguro saldrá a decir “a caballo regalado no se le ve el diente” y no verá la diferencia de la inversión del 212 y desperdicios de dinero del Ayuntamiento. El primero además del groso de personas que reúne cada año, generan una derrama económica enorme en el área de Vallarta-Chapultepec. Lo más importante, ha tenido como punta de lanza tener entre su line-up propuestas musicales, que no solo son lo más destacado de música emergente, ni mexicana, ni siquiera Iberoamericana, sino Global. Completando la idea de Amat, creo que la posibilidad de que todos, independientemente de la clase socioeconómica, podamos ver de vez en cuando a artistas del calibre de Woodkid, Editors o Julian Casablancas de manera gratuita debe estar ahí. Las personas que no pueden comprarse una entrada con cargos en Ticketmaster no solo merecen muestras amateur de mariachi, jazz, y versiones más baratas de Paté de Fuá.

El cierre de RMX habla muy mal del criterio de los directivos de medios mexicanos, pero puede hablar peor de nosotros como consumidores de música si no dimensionamos que perder estos productos es un mal día para la cultura y la inclusión.

Efectos de las Amanitas en GDL

Por: Irisdiana Fernández

Días pasados tuvimos la visita en Guadalajara de Amanitas, banda chilena de rock pop formada por 5 chicas talentosas y apasionadas por la música. Previo a su presentación en Chango Vudú, tuvimos oportunidad de charlar con ellas sobre su formación, anécdotas y planes a futuro.

Platíquenme un poco sobre ustedes antes de formar “Amanitas”, ¿Cómo era su personalidad? ¿Qué artistas les gustaba escuchar?

  • Cancamusa: yo creo que para todas hay un antes y un después de Amanitas porque muchas nos hemos encontrado en áreas que nunca habíamos explorado, yo era muy tímida, igual sigo siendo tímida, pero en Amanitas comencé a cantar por primera vez en el escenario y a tocar batería, entonces eso hizo que tuviera que “agilizar” mi personalidad y atreverme. Y siento que, en el caso de Jose -ella lo puede contar- comenzó a tocar guitarra en Amanitas.
  • Jose: Sí, todas comenzamos en Amanitas muy chicas, éramos muy jóvenes. Yo tenía 22-23 años; Manu tenía muchos menos. La historia de Amanitas, también tiene que ver con la historia de crecimiento de cada una de nosotras; yo ya tengo 29, hay otra madurez, otra visión del mundo, de vida y eso se refleja también en la música que estamos haciendo y en cómo evoluciona.

Y antes de formar la banda, ¿Qué géneros o qué artistas admiraban?

  • Cancamusa: en general, hay una influencia marcada por la música de los 70’s pero también, todas tenemos gustos muy similares como Björk, Radiohead, Los Jaibas, Violeta Parra, que son bandas chilenas muy influyentes.
  • Jose: Son gustos que creo, como banda, no han cambiado, Björk, por ejemplo, sigue siendo una inspiración para nosotras desde chicas.

¿Desde que eran chicas se imaginaban que se iban a dedicar a la música?

  • Jose: Yo creo que sí, era un anhelo, un deseo

¿Estudiaron algo relacionado a la música o sólo fue el deseo de formar una agrupación?

  • Cancamusa: Jose estudió música desde los 11 años y también salimos de un colegio artístico, entonces pudimos estar en contacto con la música desde muy pequeñas.
  • Miausicat: Yo estudié guitarra clásica, es todo lo que tuve de contacto con la música porque antes era deportista de alto rendimiento, así que estaba en otra área. Hacía un deporte súper raro que se llama saltos ornamentales, que acá [en México] lo practican en Acapulco los clavadistas.
AMANITAS – Guadalajara – Chango Vudú – Foto Salvador Tabares – @stabaresfoto

Y ¿Qué fue lo que las impulsó a decir “quiero armar mi propia banda”?

  • Jose: Yo creo que primero nos encontramos, nos hicimos amigas, empezamos a tener una afinidad musical importante y Amanitas fue el resultado de esa complicidad que armamos entre nosotras. No fue algo pensado, sólo pasó.

Hay una palabra que encuentro mucho en cada fuente que habla sobre Amanitas: “Improvisar”, ¿Por qué improvisar? ¿Qué significa para ustedes esa palabra?

  • Cancamusa: Improvisar es como el punto inicial de toda nuestra creación porque podemos pasar horas en nuestra sala componiendo a través de la improvisación y es como crear sin límites, sin juicios, sin estar pensando. El impulso creativo, siempre nace a través de la improvisación.

Leía también sobre su trayectoria, y me llamó la atención cuando encontré que recién llevaban un mes de haber sacado su primer LP y ya estaban de gira por China, ¿Cómo les llegó esta noticia?

  • Jose: No lo creímos cuando llegó la invitación, fue a través de un contacto directo a través de nuestro Facebook […]  Fue revelador viajar al otro lado del mundo porque nos abrió el cerebro a otro nivel más global, más internacional y entendimos que podíamos ir a cualquier parte del mundo si lo quisiéramos. Y no teníamos que restringirnos ni ponernos barreras ni fronteras […]  
  • Cancamusa: Para nosotras, ese viaje fue súper importante porque nos dio confianza en nosotras mismas, nos hizo creer más en nuestro proyecto. Nos dimos cuenta que teníamos algo súper importante que contar, una identidad. A través de éste viaje, nació todo el concepto de “Amor Celestial Imperial” que es nuestro último disco. Fue realmente un viaje muy enriquecedor para nuestra carrera como banda.

¿Qué elementos encontraron en el país asiático para inspirar su trabajo discográfico?

  • Manu: encontramos una cultura muy distinta, gigante, monumentos muy antiguos. Fuimos a la Muralla China, a la ciudad prohibid Conectamos con una cultura ancestral que también tiene mucho que enseñar. De hecho, muchas de las canciones que llevamos las hicimos antes [del viaje] porque necesitábamos más material para tocar en China y las que hicimos después, tienen esa sonoridad, una escala oriental de los sintetizadores, de los sonidos que evocan el concepto de Imperial, como gigante.
  • Cancamusa: Recuerdo que unas semanas antes de viajar a China, hicimos una canción que se llama Sudakalandia que ya estaba inspirada en el hecho de que íbamos a visitar Asia y comenzamos a meter ese tipo de sonoridades, que es un poco una carta de presentación que queríamos llevar de las cosas que han ocurrido en nuestra cultura, la colonización y nos inspiramos tanto que creamos fusiones muy bonitas.

Además de la inspiración que encontraron, ¿Vivieron alguna experiencia que atesoren?

  • Jose: La más importante fue entender que la música va mucho más allá de las palabras, nosotras cantábamos en español y ver que las personas estaban sintiendo la música, fue revelador y fue confirmar que realmente la música es un lenguaje universal y que no importan los idiomas y lo más bonito en esa gira fue eso, ver que realmente transmitimos algo.
  • Miausicat: ¡Tocamos arriba de la muralla China! Fue una experiencia muy enriquecedora.
  • Cancamusa: Fue muy imponente estar ahí llenándonos de energía milenaria, como muy surrealista. También algo muy gracioso, es que, mientras nosotras tomábamos fotos a la Muralla China, las personas nos tomaban fotos a nosotras. A veces nos pedían fotos sólo por el hecho de tener ojos grandes, hay como una admiración por los ojos grandes muy impactante.
AMANITAS – Guadalajara – Chango Vudu – Foto Salvador Tabares -@stabaresfoto

Y hablando de giras, ¿Qué me cuentan de la primera vez que vinieron a México con  “Me desvelo tour”? ¿Cómo las recibió el público mexicano?

  • Jose: Fue increíble. Cuando llegamos a México, sentimos una conexión muy importante y bonita con el país […]  Recibimos su cariño muy abiertamente. Estuvimos tres semanas en México y volvimos a Chile con un montón de gente.
  • Cancamusa: Hoy día, incluso, nos vienen acompañando, trabajan con nosotros en el concierto, su apoyo ha sido fundamental para nuestra banda. Cuando lanzamos “Amor Celeste Imperial” ellos salieron a las calles a pegar afiches. Se han organizado y nos han ayudado a que nuestra música se vaya expandiendo aquí en México.
  • En Guadalajara, tocamos en el Rock por la vida [en su primera visita a México] y cuando bajamos del escenario la gente se nos abalanzó encima. Nosotras no éramos una de las bandas populares, fuimos unas de las que abrieron y al querer ir a comer, toda la gente se nos acercó para pedirnos fotos, a darnos muestras de cariño.

A propósito del Rock por la vida, ¿Qué impacto tuvo para ustedes participar en un evento con esta causa?

  • Cancamusa: es muy bonito el sentido de ese festival, porque es entregarle a la gente consciencia de la importancia que tiene la vida, de sentir, de vivir día a día. Siento que estamos en un mundo muy frío, pero el amor es lo más importante para poder cambiar y nosotros como banda sentimos que tenemos ese mensaje de amor, de respeto.
  • Manu: De autoconocimiento
  • Cancamusa: Para nosotras fue perfecto tocar en un festival con esa conciencia tan importante por la vida.

A ustedes, a tema personal o como banda, ¿Les gusta involucrarse en diversas causas sociales?

  • Manu: ¡Claro! en Chile hemos estado en eventos de movimientos feministas. Nos gusta también ir a escuelas a tocar para los niños, a escuelas de bajos recursos, a entregar nuestra música y a motivar a los chicos a hacer arte, a expresarse. Es algo muy importante para nosotras porque como banda, usamos temas políticos o sociales y la gente los entiende y los recibe desde el corazón. Es algo que nos gusta aportar.
  • Jose: Sí, no hay que ponerse la venda en los ojos. El mundo tiene problemas y la música es una vertiente para canalizar, para liberar, para concientizar.
  • Manu: También es un punto de unión. Coincidiendo en el tema del Rock por la vida, vi que Jalisco tiene un alto índice de suicidio juvenil y eso es terrible porque, siendo tan jóvenes, hay tantas cosas lindas. Pero el mundo está a veces tan oscuro que no son capaces de verlo y la música es un punto de unión donde quizá ese chico o chica, pueda sentirse identificado y no sentirse solo.

Siguiendo lo que hablábamos de festivales, sé que este año se presentaron en el Lollapalooza Chile ¿Cómo vivieron este momento?

  • Cancamusa: fue justo en un momento de transición porque las chicas estaban viviendo en Chile y yo en México. Regresé a tocar [a Chile] y fue como un sueño, fue algo muy rápido. Soñamos mucho tiempo con tocar en ese festival y fue cumplir un sueño y muy especial llevar nuestra música
  • Jose: Fue también ver cómo funciona la música en otros países que uno escuchaba desde niña, por ejemplo, escuchar a Lenny Kravitz en vivo… ¡wow!
  • Manu: Tocar en festivales yo creo que es lo que más le gusta a los artistas. Es un sueño estar ahí y ver un lado más profesional de la música.

Y en estos momentos, ¿Qué quiere hacer Amanitas en los próximos meses, ¿Qué planea?

  • Cancamusa: Ahora estamos en un momento de transición, tres de las integrantes se van a quedar en México y dos regresan a Chile por un tiempo, así que va a ser una etapa de vernos desde otra perspectiva. Vamos a planear nuevas cosas, sobre nuestro nuevo material. Hemos pasado tanto tiempo entregando que es tiempo de irnos un poco hacia el interior y replantearnos un poco cómo vamos a comenzar este nuevo período.
  • Nuestra idea es proyectarnos en México y empezar nuestra carrera aquí, así que estos meses van a ser de trabajo, de composición, de estar en las salas, de conversar, planificar.
  • Jose: Esta separación, va a ser momentánea. La idea es que para 2020 ya estemos las cinco radicando en México y poder tocar.

¿Por qué eligieron México para impulsar su proyecto musical?

  • Miausicat: Porque es como el trampolín hacia el mundo. México tiene una industria musical súper grande que nosotras hemos visto desde Chile. Con México, podemos conocer todo el mundo.
  • Cancamusa: En México hay mucha diversidad, muchos gustos, hay espacio para mucha música y eso es algo que nos gusta muchísimo. Hay una escena muy grande, muchos géneros y sentimos que tenemos algo muy importante que entregar a la industria con nuestra propuesta femenina. Ya queremos que nos conozcan. Cuando vinimos a México [la primera vez] nos encantó y también, cuando Mon Laferte me invitó a ser su baterista me vine a vivir a México en enero de éste año y eso nos aceleró a todas para querer venirnos.

¿Cómo logran combinar ambos proyectos, entre Cancamusa tocando con Mon Laferte y Amanitas?

  • Cancamusa: Por el momento no he tenido ningún problema. Por ejemplo, este mes no tenemos ningún concierto con Mon y por coincidencia, con Amanitas salió que ellas tocarán acá y todo ha circulado de una manera muy natural.

Sobre Amanitas hoy día.

  • Cancamusa:  Hemos estado más quietas que antes, incluso en redes sociales. Es un proceso que estamos viviendo, es algo natural de una banda independiente que necesita crecer y que de forma natural está creciendo.
  • Manu: A veces todo te presiona a estar muy rápido y está bien querer mirar hacia dentro. Y crear y tener un momento reflexivo dentro de la banda. Dentro de todo lo que ha pasado, que siempre ha sido rápido, es momento de pensar, de analizar, qué es lo que ha pasado, qué está pasando y qué es lo que va a pasar.